Die diesjährige Ausgabe von Sundance ging gestern zu Ende, und obwohl ich dort einige Filme von großem Wert gesehen habe, musste ich auch über die besondere Filmökonomie nachdenken, die das Festival fördert. Dies lag zum Teil daran, dass ich am Tag vor dem Ende von Sundance an einer Podiumsdiskussion über den großen französischen Kritiker Serge Daney (1944-92) im Rahmen der seinem Werk gewidmeten Reihe „Film at Lincoln Center“ teilgenommen hatte. Die Serie feiert das erste Erscheinen seines 1983 erschienenen Buches „Footlights“ auf Englisch; Der Übersetzer des Buches, Nicholas Elliott, war neben Maddie Whittle, die die Serie mit ihm programmierte, ebenfalls auf dem Podium. An einem Punkt wandten wir uns in unserer Diskussion einem Interview mit Daney zu, das ich bei der Erstveröffentlichung im Jahr 1977 gelesen hatte und das eine Beobachtung enthält, die mir heute eindringlich auffällt: „Bis jetzt besteht der große Unterschied zwischen Frankreich und den USA Das war schon immer so: Es gibt keine Brücke zwischen dem amerikanischen „Underground“-Kino und der Filmindustrie, während es in Frankreich schon immer eine gab.“ Heutzutage gibt es hier eine solche Brücke: Denken Sie an Greta Gerwig, Barry Jenkins und die Safdie-Brüder. (Tatsächlich entstand sie nicht lange nach Daneys Rede, wie man an den Karrieren von Spike Lee und Jim Jarmusch sehen kann.) Und Sundance, das dieses Jahr sein vierzigjähriges Jubiläum feierte, ist eine der entscheidenden Rampen der Brücke. Es stellt sich jedoch heraus, dass die Brücke in beide Richtungen verläuft: Die Aussicht auf Erfolg hat die Natur des unabhängigen Filmemachens verändert. Einige Filmemacher, die ohne kommerzielle Zwänge arbeiten, beweisen große künstlerische Originalität; andere stellen praktisch Visitenkarten her und beweisen damit, dass sie die Codes des kommerziellen Kinos beherrschen, wenn auch mit einem knappen Budget. Ein Großteil des Sundance-Sweetspots liegt in der Kreuzung: genug Originalität, um Aufmerksamkeit zu erregen, und genug populistische Akzente, um das Publikum anzulocken.
Die Nadel schwingt von Jahr zu Jahr. Letztes Jahr stand die Originalität im Mittelpunkt, mit Angeboten wie „All Dirt Roads Taste of Salt“ und „Passages“. Für mich schienen die diesjährigen Besichtigungen weniger originell zu sein, obwohl dies möglicherweise das widerspiegelt, was ich sehen konnte. Wie immer besuchte ich das Festival nicht persönlich und verließ mich auf die Version, die für die Presse gestreamt wird, aber dieses Mal begannen die Online-Vorführungen erst am siebten Tag nach Beginn des elftägigen Festivals. Einige der Filme, auf die ich am meisten gewartet hatte, waren nicht verfügbar, und es blieb weniger Zeit, die verfügbaren Filme anzusehen. Vieles von dem, was ich sehen konnte, schien etwas weniger innovativ zu sein als die Ernte des letzten Jahres. Dennoch habe ich zwei Filme gesehen, die, wenn sie in den Vertrieb kommen, von großer Bedeutung sein werden.
Unter jungen unabhängigen Filmemachern ist Nathan Silver bereits ein Veteran mit neun Spielfilmen seit seinem ersten Film aus dem Jahr 2009, den er im Alter von 25 Jahren drehte. Aber sein neuestes Werk, „Between the Temples“, offenbart eine bemerkenswerte neue Denkweise und Erfindung, sowohl in seiner Karriere als auch im amerikanischen Filmemachen insgesamt. Die schillernde Klugheit des Films wird durch ein einziges Detail, eine erhabene Indirektion veranschaulicht: Der Protagonist des Films, Ben Gottlieb (Jason Schwartzman), ist der Kantor einer Synagoge im Norden des Bundesstaates New York. Er hat ein erstes Date mit einer Frau namens Leah (Pauline Chalamet), die er über den jüdischen Dating-Service Jdate kennengelernt hat. Leah hebt ihr Glas und sagt: „L’chaim„– oder besser gesagt „L’haim“, wobei der charakteristische hebräische Zäpfchenkonsonant völlig fehlt. Für eine Sekunde war ich schockiert, dass Silver die Chuzpe hatte, eine Schauspielerin zu besetzen, deren Aussprache für die Rolle einer Jüdin so unzureichend war. Doch einen Moment später gesteht Leah Ben, dass sie keine Jüdin, sondern „hundertprozentig Protestantin“ ist. Silver wusste, was er tat; nämlich die Zuschauer in Erstaunen zu versetzen, um Bens eigene Überraschung in diesem Moment zu erleben.
„Between the Temples“ ist voll von solchen Momenten erhellender Unbeholfenheit und verletzlicher Peinlichkeit. Ben ist vierzig. Er ist ein trauernder Witwer, dessen verstorbene Frau, eine gefeierte Schriftstellerin, vor einem Jahr gestorben ist. Er scheint nicht die Fassung verloren zu haben, aber er hat im wahrsten Sinne des Wortes seine Stimme verloren; Seine Aufgabe besteht darin, die Liturgie im Gottesdienst zu singen, aber er musste sich von der Kanzel beurlauben lassen und kann sich nur um den pädagogischen Teil seiner Arbeit kümmern, nämlich die Vorbereitung der Kinder auf Bar- und Bat-Mizwa-Zeremonien. Seine beiden Mütter – seine leibliche Mutter, Meira (Caroline Aaron), eine Künstlerin, und ihre Frau, Judith (Dolly De Leon), eine Immobilienmaklerin – versuchen, ihn mit potenziellen Ehepartnern zusammenzubringen (Judith hat sein Jdate-Profil erstellt). Aber ohne seine Frau und ohne seine Stimme hat er seinen Lebensgrund verloren. Als er vielleicht zum ersten Mal in seinem Leben seinen Kummer in einer Bar ertränkt, macht er eine Szene, wird geschlagen und trifft, während er auf dem Boden liegt, auf nette Weise eine andere Gastin, Carla O’Connor (Carol Kane), die ihn bald trifft erkennt, war sein Musiklehrer in der Grundschule.
Was auch immer in Kanes Stimme zu Beginn ihrer Karriere elfenhaft gewesen sein mag, ist mittlerweile zu einer weltlichen Heiserkeit herangereift, und die ungewöhnlichen Dialoge, die sie führt, um Ben zu trösten und sich mit ihm anzufreunden, sind durchdrungen von den bitteren Destillationen eines ausgiebig gelebten Lebens. (Silver hat das Drehbuch zusammen mit C. Mason Wells geschrieben, und es ist ebenso bissig wie skurril.) Auch Carla, die nach zweiundvierzig Jahren als Lehrerin aus der Schule entlassen wurde, ist auf der Suche nach einem Sinn – und findet ihn in einem neuen Versuch, eine Verbindung herzustellen mit ihren jüdischen Wurzeln, indem sie in Bens Hebräisch-Schulklasse auftauchte und sich auf ihre eigene, verspätete Bat Mizwa vorbereitete. Auch wenn Ben zunächst skeptisch ist, nimmt er den Unterricht mit Begeisterung an und ihre Freundschaft vertieft sich. Unterdessen versucht Bens Chef und Freund, Rabbi Bruce Koenig (Robert Smigel), seine emotional geschädigte und kürzlich sitzengelassene Tochter Gabby (Madeline Weinstein), eine kämpfende Schauspielerin, mit Ben zusammenzubringen. (In dieser neuen Beziehung spielt Bens verstorbene Frau Ruth – ebenfalls gespielt von Weinstein – eine wichtige, völlig nicht-metaphysische Rolle.)
Die vielen Vektoren des Films – Not und Schmerz, Verlust und Angst, Streben und Verzweiflung – verstricken sich im Chaos komischer Missverständnisse. Silver scheint sich in seinen besten Filmen (wie „Uncertain Terms“, „Soft in the Head“ und „Stinking Heaven“) von Vincente Minnelli inspirieren zu lassen, um Dramen über Institutionen zu drehen – in Silvers Fall in bescheidenem Umfang solche wie ein Übergangsheim und ein Heim für schwangere Teenager. Zu diesen Schauplätzen fügt er die ewige Institution der Familie hinzu, indem er das Thema in die Geschichte integriert und häufig seine Mutter, Cindy Silver, in Schlüsselrollen besetzt. (Er machte ihre künstlerische Beziehung zum Thema seiner Miniserie „Cutting My Mother“ aus dem Jahr 2019.) Cindy taucht in „Between the Temples“ nur kurz auf, aber Silvers Familiendynamik ist eindeutig vorhanden. Die Charaktere drücken Bedürfnisse und Wünsche mit einer frenetischen Intensität aus, die trotz aller Komik heftig reibt wie ineinandergreifende Sägeblätter. Die Kameraarbeit von Silvers häufigem Mitarbeiter Sean Price Williams mit extremen Nahaufnahmen und impulsiver Erregung fängt ein ständiges Gefühl vulkanischer Spannung ein, die nur darauf wartet, zu explodieren, ein Effekt, der durch John Magarys überschwänglich kämpferischen Schnitt noch verstärkt wird. All diese brisanten Elemente brechen schließlich in einem Höhepunkt der Kollision dieser beiden Institutionen – Synagoge und Familie – bei einem Shabbat-Dinner hervor, einem bekannten Konfliktort in Silvers Werk.
Es ist faszinierend, Schwartzman in der unbelasteten Rolle des Ben zu sehen. In seinem schauspielerischen Temperament liegt etwas grundlegend Aufgeregtes, Angespanntes, eine spontane und natürliche Präzision, die ihn zu einer lebendigen Verkörperung des Wes-Anderson-Universums macht. Aber genau wie er sich vor einem Jahrzehnt dem Independent-Kino anschloss, um eine lockerere und vehementere Darbietungsart zu verfolgen (in Alex Ross Perrys Rothian-Drama „Listen Up Philip“), greift Schwartzman nun auf eine Ader des hochentwickelten Naturalismus zurück, in der Ein Hauch von gesprenkelter Screwball-Laune schmückt lediglich eine tief komponierte, psychologisch untermauerte Darbietung. Komplexität wird nicht in Andersons sprunghafter Symbolik komprimiert, sondern erhält einen direkten, divergenten und emotional offenen Ausdruck. Silver stellt die fein nuancierte Kraft seiner großartigen Besetzung in den Mittelpunkt, sei es in aufrüttelnden Nebenbemerkungen oder flotten Arien, aber vor allem schwelgt er in den vielen Szenen des Drehbuchs, in denen Kane und Schwartzman gemeinsam spielen, ob allein oder in einer Menschenmenge. Ihre gefühlvollen Duette scheinen aus tiefstem Inneren zu schwingen.
Shiori Ito, in „Black Box Diaries“.Foto von Tsutomu Harigaya / Mit freundlicher Genehmigung von Dogwoof
„Black Box Diaries“ ist ein schmerzvoller und dringender persönlicher Dokumentarfilm – ein Film über Ermittlungen, Konfrontationen und Aktionen. Die Direktorin, Shiori Ito, ist eine junge Journalistin, die auf einer Pressekonferenz im Jahr 2017 Noriyuki Yamaguchi, einen berühmten Fernsehreporter aus dem Umfeld des damaligen japanischen Premierministers Shinzo Abe, öffentlich beschuldigte, sie zwei Jahre zuvor vergewaltigt zu haben. Laut Ito nahm Yamaguchi sie zum Abendessen mit, um über Jobmöglichkeiten zu sprechen, und während ihres Treffens begann sie, sich benommen zu fühlen. Später erwachte sie in einem Hotelbett und stellte fest, dass er sie sexuell missbrauchte. (Yamaguchi bestritt die Anschuldigungen, aber ein von Ito angestrengtes Zivilverfahren wurde 2019 zu ihren Gunsten entschieden und anschließend vom Obersten Gerichtshof Japans bestätigt.) „Black Box Diaries“ dokumentiert Itos Bemühungen, Anklage gegen Yamaguchi zu erheben, und untersucht den Verlauf des Verfahrens polizeiliche Ermittlungen und folgt ihr, während sie versucht, selbst Ermittlungen einzuleiten. Trotz zahlreicher Beweise (einschließlich eines Überwachungsvideos, in dem Yamaguchi Ito aus dem Auto und durch die Hotellobby zerrte) wurde Yamaguchi weder verhaftet noch angeklagt. Der Fall ist in Japan berühmt und gilt weithin als Auslöser der dortigen #MeToo-Bewegung. Die „Black Box Diaries“ folgen somit nicht nur Itos Streben nach Gerechtigkeit, sondern auch einer wachsenden Kampagne zur Reform der rückschrittlichen Vergewaltigungsgesetze Japans.
Nachdem Ito im Film mit ihren Anschuldigungen an die Öffentlichkeit geht, ist sie davon überzeugt, dass sie überwacht wird: Ein schwarzer Lieferwagen parkt vor ihrer Wohnung, und nachdem sie umgezogen ist, scheint das Telefon an der Unterkunft, in der sie wohnt, abgehört zu werden. (Währenddessen führt Ito, die Aufzeichnungsgeräte bei sich versteckt, ihre eigene unabhängige Überwachung durch.) Ein Ermittler der Polizei teilt ihr mit, dass genügend Beweise gefunden wurden, um Yamaguchi zu verhaften, höhere Beamte die Verhaftung jedoch im letzten Moment abgebrochen hätten. Sie wird zur Zielscheibe wilder, ja sogar gewalttätiger Beschimpfungen. Sympathische Politiker stellen im Parlament Fragen zum Fall; Ein Ermittler – der darauf besteht, anonym zu bleiben, um seinen Job zu behalten – versorgt sie mit Informationen über den Fall. In einem der bemerkenswertesten Stücke erfahrungsorientierter Ich-Filme des Films trifft Ito diese Ermittlerin, die Ton auf ihrem Telefon aufzeichnet, während das Videobild der Kamera, wie vom Tisch, lediglich ein verzerrtes Bild von etwas zeigt, das wie ein Food-Court oder ein Restaurant aussieht Einkaufszentrum.
Der Titel „Black Box Diaries“ bezieht sich auf Itos früheres Buch über den Fall, „Black Box“, das sich wiederum auf die Zurückweisung ihrer Anschuldigungen bezieht. (Sie zitiert einen Staatsanwalt, der sagte, dass das Hotelzimmer praktisch eine Black Box sei und dass man nie mit Sicherheit wissen könne, was darin passiert sei.) Der Film folgt der Bearbeitung und Veröffentlichung des Buches – die aus Angst vor der Regierung geheim gehalten wurde Versuchen Sie, seine Veröffentlichung zu blockieren – und seine Rezeption, die dazu beitrug, eine Bewegung zu fördern, die Ito unterstützte und Veränderungen anstrebte. (Itos leidenschaftliches öffentliches Treffen mit einer Gruppe von Journalistinnen ist ein Höhepunkt des Films.) Ito gelang es zunehmend, ihre Situation unter Kontrolle zu bringen, und der Film dokumentiert, wie sie ihre erfolgreiche Klage gegen Yamaguchi zusammenstellte. In einer spektakulären Actionsequenz organisiert sie ein Videoteam, das mit ihr den Polizeichef observiert und ihn zu ihrem Fall befragt. Zu den moralisch und dramaturgisch spannendsten Momenten des Films gehören die unterstützenden Worte männlicher Beamter – die von Selbsteinschätzungen über Machtmissbrauch bis hin zu kühnen, offenen Befürwortungen um jeden Preis reichen. Ito dokumentiert den enormen emotionalen Tribut, den ihr der Übergriff, die Rechtsfälle und ihr Streben nach Gerechtigkeit abverlangten, unermüdlich und tut dies mit einer schonungslos offenen filmischen Sensibilität. ♦