Filmkritik: ‘The Velvet Underground’ auf der falschen Seite der Geschichte

Todd Haynes, ein Ivy League Spike Lee, vergöttert die Möchtegern-Rebellen der Mittelklasse der 1960er Jahre.

Ter Dokumentarfilm Der samtige Untergrund wurde unter der Annahme von Todd Haynes gemacht, dass die Gegenkultur immer noch wichtig ist. Haynes, der bei den Gender-Studies-Filmen Regie führte Gift, Safe, Samtgoldmine, Ich bin nicht da, und CarolEr blickt auf die Art-Rock-Kultband der Sechziger zurück, um die Geschichte des transgressiven Einfallsreichtums zu heiligen – was darauf hindeutet, dass VUs musikalische Verherrlichung von Drogen, Homosexualität und der heruntergekommenen Halbwelt die Grundlage der heutigen Kultur bildete. Dieser zweifelhafte Vorschlag wurde auf dem New York Film Festival gezeigt und spielt jetzt im Film Forum.

Haynes Biopic ignoriert, dass die Gegenkultur als solche nicht mehr existiert. Er sieht die Mitbegründer von VU, den walisischen Einwanderer-Instrumentalisten John Cale und den New Yorker Bad-Boy-Texter und Gitarristen Lou Reed sowie die anderen Bandmitglieder – Maureen Tucker (Schlagzeug), Sterling Morrison (Bass) und die ehemalige deutsche Sängerin Nico – as schurkische Vorbilder für die heutige Medienklasse. Durch diese Herangehensweise werden Cale, der Intellektuelle, Reed, der amerikanische Emporkömmling, und Nico, der exotische, eisblonde Boho-Hobo, zu Berühmtheiten und Pionieren.

Angefangen mit dem aggressiven, nervenaufreibenden Gitarrenkreischen von VUs S&M-Tease „Venus in Furs“ steht Haynes auf der Seite des Agit-Prop-Ärgers von Sixties-Außenseitern, Mittelklasse-Rebellen, die ihren Zufluchtsort am Rande der Popmusik-Vielfalt fanden. Er kopiert Andy Warhols Splitscreen Chelsea-Mädchen — ein stilistischer Scherz, der einen kulturellen Durchbruch imitiert. Warhol sponserte den anfänglichen Minderheitserfolg von VU, machte ihren Major-Label-Plattenvertrag möglich und festigte ihren Status in der Kunstwelt und schließlich eine Legende.

Haynes verkörpert den progressiven Anspruch der Millennials, dass die sechziger Jahre nie endeten. Auf der falschen Seite der moralischen und ästhetischen Geschichte „dokumentiert“ er die Ära durch ein Durcheinander von Kunstaffinitäten – FX, die über die Leinwand bluten, Warhol-Ausschnitte, kunstkritische Zwischenspiele (einschließlich Amy Taubins Souvenir-Warhol-Cameo) und ein Finale Montage von Stills, die wie LP-Cover aussehen. Es ist ein Versuch, die Idee der Kulturrevolution aufrechtzuerhalten, aber von a fin de siècle Indie-Filme-Perspektive, ein Beweis dafür, dass zeitgenössische Politik und Pop-Art unoriginell sind.

Weil Haynes die Sensibilität und Einsicht eines Künstlers fehlt, konkurriert er mit Warhols Kulturexperimenten. Mit akademischer Tarnung plagiiert er die Kühnheit der VU und kombiniert dann die Frechheit mit den Geboten der Frankfurter Schule (die Wurzeln der heutigen radikalen Haltungen, die heute als kritische Rassentheorie vulgarisiert werden). Dies führt dazu, dass Haynes die Popgeschichte und die westliche Aufklärung falsch interpretiert. Als Cale, eines der beiden noch lebenden Gründungsmitglieder der Band, Haynes sagt: „Die einzige Möglichkeit, Bob Dylan um sein Geld zu bringen, war improvisieren“ [in live performance]“ ist es der einzige Moment, der sich wirklich mit der Substanz von VUs Kunst und Karriere beschäftigt.

Haynes ist ein verweichlichter Pop-Nerd, der Präzedenzfälle der Popkultur imitiert. Wie in seinem desaströsen 1998 Samtgoldmine (ein queer-hetzerisches Melodram, das hier viel vom gleichen Material verwendet), verzerrt er die Geschichte des Kinos der Sechziger und des Art-Rock der Siebziger.

Der samtige Untergrund Phasen in die Hagiographie, kein scharfer Weg für einen Intellektuellen, ein Projekt zu gestalten. Haynes verliert sich so in seinen putzigen Kunstgesten, dass es keine praktischen Informationen über Verträge oder Plattenfirmengeschäfte gibt, sondern nur die nutzlose Glorifizierung von Pop-Art-Mythen. (Es wäre vielleicht interessant gewesen zu sehen, wie Haynes VU mit Billie Eilish oder Cardi B kontrastiert.) Trotz seines Lobes und seines Einflusses in der Industrie hat Haynes noch nie einen Film gedreht, den die Öffentlichkeit genießen kann. Unfähig zum Pop-Amüsement, ist er ein Zeitgeist-Pseud – der Ivy League Spike Lee. (Schwarze Menschen dienen als Reeds Phantomfetische in dieser Reminiszenz an die Bürgerrechtszeit, während Taubin nur den sexuellen Chauvinismus der Szene kritisiert.)

Liberale halten an einer Fantasie von kühnen oppositionellen Haltungen fest, also feiert Haynes die zweifelhafte Revolution der VU. Der samtige Untergrund weist darauf hin, dass das gewonnen hat, was Bob Dole später „die Kultur der Verderbtheit“ nannte. Wenn die Warhol-Schauspielerin Mary Woronov davon spricht, „wo der Künstler ins Spiel kommt, weil er nicht zur Gesellschaft gehört, ist er anders“, erinnert sie sich an eine andere Welt als heute. Haynes ignoriert jedoch die Tatsache, dass der Millennial-Pop heute 50 Jahre später und viele Pop-Entwicklungen, nachdem VU die Kultur infiziert hat, zu Compliance, Konformität und Elitismus neigt. All diese Negative, die jetzt dem Vermächtnis von VU zuzurechnen sind, beschreiben, warum Haynes’ Tribut scheitert.