Eine gute Geschichte hält mehr oder weniger allen Richtungen stand, und so groß ist der künstlerische Erfolg, den Baz Luhrmann mit „Elvis“ erzielt. Der Aufstieg eines Lastwagenfahrers aus Memphis zu einem Generationenhelden und einer Weltikone unter der Fuchtel seines mephistophelischen Managers und sein Niedergang in den Status einer bloßen selbstzerstörerischen Berühmtheit, die in jungen Jahren zu einem Objekt der Nostalgie wurde, ist erstaunlich genug. in seinem Bogen und seinen Details, um die Aufmerksamkeit selbst im Laufe von grell und simpel gehaltenen zwei Stunden und neununddreißig Minuten zu halten. „Elvis“ ist ein grell geschmückter Wikipedia-Artikel, der seinem Stilgefühl wenig zu verdanken hat; Es ist ein Film von Substanz, aber von nackter Substanz, eine bloße fotografische Nachbildung eines Drehbuchs, das die Kraft von Presleys authentischer Tragödie sowohl vermittelt als auch vergeudet.
Luhrmann drückt seinen Namen öfter und schneller in den Abspann als jeder andere Regisseur, den ich gesehen habe, unterstützt durch die Eigenheiten vertraglicher Interpunktion: Es ist ein Baz Luhrmann-Film, nach einer Geschichte von Baz Luhrmann und Jeremy Döner und einem Drehbuch von Baz Luhrmann & Sam Bromell und Baz Luhrmann & Craig Pearce und Jeremy Doner, und es wird von Baz Luhrmann geleitet. Sein Stil hinterlässt nicht nur schmutzige Fingerabdrücke auf dem Material; es ist kalkuliert aufdringlich, als wollte es den Zuschauern den Daumen ins Auge drücken. Aber der Schlüssel zu Luhrmanns Akt der filmischen Aggression ist weniger seine eitle Ausschmückung als seine seltsame, fehlgeleitete, aber zutiefst aufschlussreiche Prämisse: Er stellt Presleys räuberischen Manager, Colonel Tom Parker, in den Mittelpunkt.
Die Figur von Colonel Tom wird verkörpert von Tom Hanks, dem einen Star des Films, der über dem Titel liegt, der die Rolle mit einer schleimigen, schlangenartigen Monotonie unter transformativen Kostümen und Make-up (Parker war dick und kahl) und einem zähen, undeutlichen Charakter spielt Akzent (Parker ist in den Niederlanden geboren und aufgewachsen). Hanks ist der Erzähler des Films sowie neben Presley, dessen Leben und Kunst aus der Perspektive von Colonel Tom erzählt werden, eine Hauptfigur auf der Leinwand. Tatsächlich ist das Drama von „Elvis“ das Bemühen des Musikers, der Protagonist seines eigenen Lebens zu werden, seine eigenen Pläne und Träume zu verwirklichen und nicht die Anforderungen von Elvis Presley, dem Geschäft, das von Parker geführt wurde. Der Film wird sogar als Rückblende von Parkers Zusammenbruch kurz vor seinem Tod im Jahr 1997 dargestellt; Sein Drama beginnt mit einem sich selbst rechtfertigenden und sich seiner selbst nicht bewussten Monolog, in dem Colonel Tom jede Verantwortung für Presleys Tod im Jahr 1977 leugnet.
Colonel Tom würdigt Elvis‘ Karriere („I made him“) und fügt hinzu, dass er und Elvis „Partner“ als „der Schneemann und der Showman“ waren. Parkers eigene Karriere als Impresario begann auf reisenden Jahrmärkten; Er nennt sich selbst einen Schneemann, weil er in der Lage ist, jedem für alles einen Schneejob zu verpassen. Obwohl er die Originalität von Elvis’ Verschmelzung von Blues und Country-Musik anerkennt, sieht er Elvis nicht als Künstler, sondern als „Showman“, tatsächlich als „die größte Show der Welt“ – ein Zirkusslogan und das Gegenteil von ernsthafter Musikalität. Aber wer war dieser wundersame Hybrid? Es folgen Rückblenden zur Hintergrundgeschichte von Elvis’ Vater Vernon (Richard Roxburgh), der eingesperrt wurde, weil er einen betrügerischen Scheck bestanden hatte, und vom Umzug der Familie in ein schwarzes Viertel in Tupelo, Mississippi. Dort schließt der junge Elvis (Chaydon Jay) 1947 schwarze Freunde und begleitet sie zu den beiden musikalischen Attraktionen der Gegend: einem Roadhouse, in dem Arthur (Big Boy) Crudup (Gary Clark, Jr.) elektrischen Blues spielt, und einer Pfingstkirche, in der die Der Erweckungsgottesdienst ist erfüllt von ekstatischer Gospelmusik, und Elvis, der einzige Weiße dort, tut mehr als nur zuzuhören – er stürzt sich in die Mitte des Gottesdienstes, tanzt und stürzt sich in die Menge. Schnitt zu Sun Records, wo Elvis eine Coverversion von Crudups „That’s All Right“ aufführt und der Besitzer der Firma, Sam Phillips (Josh McConville), erklärt, dass der neunzehnjährige Elvis schwarze Musik spielt.
Während des gesamten Films wird Elvis’ Vertrauenswürdigkeit in der schwarzen Gemeinschaft betont, besonders in seiner frühen und entscheidenden Freundschaft mit BB King (Kelvin Harrison, Jr.) und mit anderen wichtigen Charakteren in Elvis’ musikalischem Aufstieg, darunter Big Mama Thornton, Schwester Rosetta Tharpe, und Little Richard (gespielt von Shonka Dukureh, Yola bzw. Alton Mason). Wenn Elvis in der Beale Street in Memphis durch schwarze Menschenmengen geht, wird er liebevoll um Autogramme gebeten. Aber was Elvis aus Sicht des Films zu einem Original macht, ist mehr als seine Verschmelzung von Schwarz-Weiß-Traditionen; es ist die sexuelle Raserei, die er auslöst, wenn er bei einem Open-Air-Konzert mit langen Haaren und Make-up auf die Bühne kommt, die einen jungen weißen Mann (bei einer getrennten Show) dazu veranlasst, ihn mit einem homophoben Bogen anzusprechen. Am Mikrofon zunächst zögerlich, beginnt Elvis mit einem Lied, und seine gewundenen, stoßenden Bewegungen erregen die jungen Frauen in der Menge auffallend. Sein Bassist Bill Black (Adam Dunn) beugt sich vor und rät ihm, viel mehr zu „wackeln“; Wenn Elvis es tut, schreien Frauen vor Ekstase und Männer sind empört. Parker apostrophiert im Off, während er eine aufgeregte Frau beobachtet, dass sie „Gefühle hat, von denen sie nicht sicher war, ob sie sie genießen sollte“ – dieser entfesselte Elvis ist ihre „verbotene Frucht“. Er fügt hinzu: „Das war die größte Karnevalsattraktion, die ich je gesehen habe.“
Welche Freude Elvis auch immer beim Musizieren empfindet, sein Hauptmotiv besteht darin, genug Geld zu verdienen, damit seine Eltern bequem leben können; er verspricht seiner Mutter Gladys (Helen Thomson) einen rosafarbenen Cadillac, wenn er groß herauskommt. Aber Gladys sieht die Gefahr – oder telegrafiert vielmehr den Rest des Films, als sie ihn vor den Gefahren des Strebens nach Reichtum warnt, und fügt hinzu, dass sie etwas in der Reaktion seines Publikums gesehen hat, das zwischen ihnen stehen könnte. Das ist natürlich der Ruhm, die Bindung an die Öffentlichkeit, die ihn zu einem Befehlshaber der Herzen und Gedanken macht, aber auch zum Opfer seiner Anhänger. Er wird auf der Straße gemobbt; das Eigentum der Familie Presley wird von Fans überfallen; Die Polizei muss bei seinen Konzerten die Menschenmassen von der Bühne zurückhalten. „Elvis“ ist eine warnende Geschichte über die räuberische Macht der modernen Medien und die unkontrollierbare Kraft des Fandoms – des Personenkults, der die Person vernachlässigt und verschlingt, die sich vor den Augen der Öffentlichkeit verbirgt. („Elvis“ ist eine von zwei Neuerscheinungen, die die Toxizität von Fandom und plötzlicher Berühmtheit dramatisieren, die andere ist „Marcel the Shell With Shoes On“.)
Die offenkundige Sexualität, die Elvis an den Tag legt, ist eine Quelle von Skandalen, Denunziationen und rechtlichen Drohungen und für Colonel Tom eine mögliche finanzielle Haftung. Von dem Versuch, das öffentliche Image von Elvis zu sanieren und einen „neuen Elvis“ zu schaffen (die Öffentlichkeit reagiert so, wie sie drei Jahrzehnte später auf New Coke reagierte) bis hin zu seiner Verwandlung in einen „reinen Amerikaner“, wenn er in die Armee eingezogen wird, mischt sich Colonel Tom ein Elvis’ Kunst und Leben gleichermaßen, wobei Showmanier, Berühmtheit und Publicity über die Imperative des Musikers gestellt werden. Colonel Tom hat eine kriminelle Vergangenheit in den Niederlanden und ist aus der US-Armee desertiert; er ist, ohne dass Elvis es weiß, ohne Papiere und gefährdet. Er manövriert und manipuliert Elvis mit geheimen Geschäften, die ihn praktisch in Las Vegas begraben halten, und erschöpft sich emotional und musikalisch, um die nächtlichen Rasereien seines Publikums zu nähren, das jeden Abend durch die medizinischen Plünderungen eines angestellten Arztes (Tom Nixon) auf die Bühne gerüttelt wird. Es überrascht nicht, dass Colonel Tom sich im Alter von zweiundvierzig Jahren von Elvis’ Tod entlastet. Er sagt, dass Elvis tatsächlich süchtig war – nach „der Liebe“, die er von „dir“, dem Publikum, bekam. Er fasst zusammen: „Ich sage dir, was ihn umgebracht hat: Es war Liebe – seine Liebe zu dir.“ Die Verantwortung liegt bei den Zuschauern und ihrer tödlichen Wirkung auf ihren Superstar.
Luhrmann zeigt Elvis als eine vormoderne Figur, einen Künstler, dessen öffentliches Bild irgendwo zwischen einem von seiner Kunstfertigkeit unabhängigen Phänomen und einem von seinem Geschäftsteam geschaffenen Werbemittel angesiedelt ist. Elvis’ Filmkarriere erweist sich trotz einiger kommerzieller Erfolge größtenteils als Desaster: Ihre unausweichliche Uncoolkeit wirkt sich auf seine musikalische Karriere aus und ist in Elvis’ eigenen Augen ein künstlerisches Versagen. (Er träumte davon, als dramatischer Schauspieler in die Fußstapfen von James Dean zu treten.) „Elvis“ legt in seinem Fernsehspecial von 1968 großen Wert auf seine Rückkehr zur musikalischen Reinheit und stellt sie den politischen Turbulenzen der Zeit, einschließlich der Attentate von, entgegen Martin Luther King, Jr. und Robert F. Kennedy. Der Film soll zeigen, dass Elvis bestrebt war, mit seinem Moment Schritt zu halten, auch politisch, und nur Colonel Toms altmodischer Umgang mit ihm in die Quere kam. Als Elvis’ Stern sinkt, schimpft sein Manager darüber, dass es nicht die Schuld des Colonels ist, dass sich die Welt verändert hat. Doch eines der wichtigsten Dinge, die sich veränderten, war das Medienbewusstsein selbst und seine Beziehung zum neuen Rock-Mainstream – am deutlichsten in der selbstbewussten Medienpolitik der Beatles, ihrer Anerkennung der Untrennbarkeit ihrer Kunst von ihrem Image, ihres Images von ihrem Leben, und ihre postmoderne Entfaltung ihres Ruhms in „A Hard Day’s Night“.