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Collagierte Bilder des Überlebens
Carmen Winant ist eine Fotografin, die selten fotografiert. Stattdessen zieht sie sie aus Broschüren und Papieren und installiert ihre Erkenntnisse auf überwältigende Weise – für „My Birth“ (2018) klebte sie 2.000 Bilder von Geburten an die Wände des Museum of Modern Art und forderte eine Abrechnung darüber, wie die Kultur hat eine Erfahrung gerahmt und zensiert, die für das Leben der meisten Frauen von zentraler Bedeutung ist. Für die Einzelausstellung, die diese Woche in ihrer Heimatstadt Philadelphia im Print Center eröffnet wird, hat die Künstlerin aus Columbus, Ohio, in die Archive zweier Organisationen eingetaucht, die diejenigen unterstützen, die von häuslicher Gewalt betroffen sind: die National Coalition Against Domestic Violence und Women in Transition. Winant machte sich auf fotografische Beweise von Gewalt gefasst; Stattdessen sah sie sich Stapeln von Materialien gegenüber, die dazu bestimmt waren, Überlebende zu stärken. Die resultierenden Stücke umfassen ein Fotoraster von Frauen, die in Arbeit versunken sind, die Winant auf Karten fand, die an diejenigen verteilt wurden, die sich mit einer neuen Karriere ernähren wollten; Kopien eines „Macht-Kontroll“-Diagramms, das von Sozialarbeitern zur Verfügung gestellt wird, um Missbrauch zu erkennen; und Bilder von T-Shirts, die von Überlebenden dekoriert wurden, mit Affirmationen wie „Ich war in einer Schachtel voller Schmerzen!! Aber jetzt bin ich frei!!“ „Die Ausstellung ist qualvoll, aber es gibt so viel lebensbejahendes Material“, sagt Winant. „Ohne das hätte ich nicht weitermachen können.“ „A Brand New End: Survival and Its Pictures“ ist vom 15. April bis 16. Juli im Print Center in Philadelphia zu sehen. printcenter.org.
Als die Pandemie ausbrach, nahm sich der in New York lebende Designer Phillip Lim ein ganzes Jahr von der Produktion seiner Herrenkollektion frei. Was als logistisches Bedürfnis begann, wurde zu einer Gelegenheit, dieses Element seines Geschäfts zu überdenken und schließlich zum ersten Mal seit der Gründung seiner gleichnamigen Linie im Jahr 2005 aus dem unerbittlichen Modekalender und Trendzyklus herauszutreten. Im vergangenen Sommer führte Lim „Kits“ ein “, Kapselkollektionen von Stücken, die als komplette Garderoben für sich gemischt und aufeinander abgestimmt werden sollen; die Tropfen „sagen alles in einem Rack“, wie Lim es ausdrückt. Für Kit 3, das diese Woche herauskommt, bietet er eine Palette ruhiger Neutraltöne mit verspielten Details an: Hemden mit Nehru-Kragen, Polos mit halbem Reißverschluss und schmal zulaufende Hosen mit integrierten Gürteln sind schick für jede Iteration eines nächsten Büros, aber weit davon entfernt Basic. Seine Trägerinnen haben sich schon immer „zwischen Streetwear und formeller Schneiderei bewegt“, sagt Lim, und sein Ziel ist es, das Leben stilvoller Männer ein wenig einfacher zu machen, indem er Saison für Saison vertraute Passformen mit neuen Details und Farben für frische Kombinationen bietet. Er und seine Kunden sind bisher mit dem Drehpunkt zufrieden. „Sie sind süchtig“, sagt der Designer. Ab $175, 31philliplim.com.
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Ambitionierte literarische Outlets
Von Zeit zu Zeit wird gerne über den Tod von Zeitschriften gestritten, dem letzten verbliebenen Dekadenz-Souvenir der strauchelnden Verlagsbranche. Trotz solcher Unkenrufe sind in der literarischen Landschaft eine Fülle neuer oder aufgefrischter Zeitschriften erschienen, die schließlich oft von Frauen angeführt werden. Da wäre die Paris Review von Emily Stokes, die ihre neue Ära mit einer Neugestaltung durch die Buchdesignerin Na Kim und einem Cover der englischen Künstlerin Rose Wylie ankündigte (in ihrer Frühjahrsausgabe sind Arbeiten des schottischen Malers Andrew Cranston zu sehen, oben). Vor zwei Jahren haben Rebecca Panovka und Kiara Barrow The Drift ins Leben gerufen, während Aliza Abarbanel und Tanya Bush diesen Monat Cake Zine herausbringen, eine sinnliche Auseinandersetzung mit Popkultur, Geschichte, Literatur und Kunst durch die Linse von Desserts. Der vielleicht auffälligste Neuzugang im Regal ist jedoch jetzt Astra. Mit seiner ersten Ausgabe drehte sich alles um die Idee von Ekstase – Ecstasy – seine Seiten enthalten Belletristik und Sachbücher von Ottessa Moshfegh, Mieko Kawakami, Solmaz Sharif, Catherine Lacey, Leslie Jamison und vielen mehr. Bedruckt mit französischen Klappen und in vier Farben plädiert Astra dafür, die Freude an der Auseinandersetzung mit Literatur wiederzubeleben und gleichzeitig ein wunderschön gefertigtes Objekt in der Hand zu halten. „Es ist nicht einfach, in diesem Moment Ecstasy zu finden“, schreibt Astra-Redakteurin Nadja Spiegelman. „Aber es ist entscheidend.“
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Kugelkette Schmuck
Die Ästhetik von Kugelkettenschmuck kann von Punk bis Primitiv schwingen, wie bei einer Perlenkette. Mehrere Designer spielten bei ihren Frühjahrskollektionen 2022 mit der Dichotomie und nutzten das Motiv, um klassische Kleidung ausgefallen und ausgefallene Kleidung geradezu fetischistisch zu machen. Bei der Laufstegshow von Gucci liefen die Models von Kreativdirektor Alessandro Michele in Latex- und Spitzenlooks über den Hollywood Boulevard in Los Angeles, begleitet von Kugelkettenanhängern, die sich auf den zweiten Blick als echte Sexspielzeuge entpuppten, während für seine gleichnamige Linie Junya Watanabe akzentuiert ladylike, floral bedruckte Mieder mit schwarzen und goldenen Kugeln, die um den Hals getragen werden. Für ihr Spiel mit dem adretten Stil bei Miu Miu kombinierte Miuccia Prada Zopfmuster-Pullover oder Button-Down-Hemden – und zweimal ein „Top“, das nur aus einem einfachen BH besteht – mit Halsbändern, die mit perlenähnlichen Perlen in der Größe von Golfbällen besetzt sind . Die vielleicht tragbarste Iteration stammt von der in Los Angeles ansässigen Schmuckdesignerin Sophie Buhai, deren Perriand Collar mit Perlen aus Metall oder Halbedelsteinen wie Onyx oder Lapis angeboten wird. Es wurde nach der charakteristischen Halskette der französischen Architektin und Designerin Charlotte Perriand benannt, die das Accessoire „ein Symbol meiner Verbundenheit mit dem Maschinenzeitalter des 20 die Königin von England.”
Ein überraschender Aspekt der kulturellen Auslöschung ist, dass sie vor aller Augen stattfinden kann. Betrachten Sie María Sol Escobar, die unter dem Namen Marisol bekannt ist und in den 1960er Jahren für ihre Holzschnitzereien und skulpturalen Assemblagen – darunter clevere Darstellungen der Kennedy-Familie und der britischen Königsfamilie – internationales Ansehen erlangte, nur um vor ihrem Tod im Jahr 2016 relativ in Vergessenheit zu geraten. „Marisol and Warhol Take New York“ im Pérez Art Museum Miami, hilft dabei, den Rekord neu zu setzen, indem sie einige der auffälligsten Werke der in Paris geborenen venezolanischen Künstlerin zeigt, die Pop-Art-Themen mit präkolumbianischer Folk-Sensibilität kombiniert, im Gespräch mit denen von ihr der enge Freund Andy Warhol, der sie „die erste Künstlerin mit Glamour“ nannte. Der Retrospektive, die ursprünglich von Jessica Beck im Andy Warhol Museum in Pittsburgh kuratiert wurde, geht es weniger um die Verleihung des Primats als um die Feststellung ihrer Zeitgenossenschaft und gegenseitigen Beeinflussung: „The Party“, eine Installation aus 15 skulpturalen Selbstporträts von Marisol, ist direkt darin stationiert vor Warhols Kuhtapete, eine Anspielung auf die Tatsache, dass beide im April 1966 debütierten. 1968 verließ Marisol New York in Richtung Europa – ein Schritt, der von einigen als Ablehnung ihres Erfolgs interpretiert wurde, obwohl sie weiterhin Kunst machte. Für Maritza Lacayo, die stellvertretende Kuratorin des Pérez, gibt es keine offensichtliche Erklärung: „Ich denke [when] Die Welt verlangte ein bisschen zu viel von ihr, oder die Dinge stimmten nicht mit ihren Vorstellungen überein, sie ging einfach woanders hin.“ „Marisol and Warhol Take New York“ ist vom 15. April bis 5. September im Pérez Art Museum Miami zu sehen. pamm.org.
Von Ts Instagram