Was ist das Aufregende an der jährlichen Reihe „Neue Regisseure/Neue Filme“, die bis zum 9 MOMA und bei Film at Lincoln Center, ist die Entdeckung von Filmemachern, meist jungen, die neue Fragen stellen und nach neuen Antworten auf die Praxis des Filmemachens selbst suchen. Genau das tut Dwayne LeBlanc in dem ortsbeschränkten, aber weitreichenden Kurzfilm „Civic“ (Vorführung morgen und Samstag), über den ich in der aktuellen Ausgabe von geschrieben habe Der New Yorker. Und genau das tut die australische Filmemacherin Alena Lodkina in ihrem zweiten Spielfilm „Petrol“, der am Donnerstag und Samstag läuft. Lodkina leiht sich eine der bekanntesten Tropen junger Filmemacher aus – das Drama eines Filmstudenten, der darum kämpft, einen Abschlussfilm fertigzustellen – und verwandelt es in etwas so Originelles wie Persönliches.
Die Originalität von „Petrol“ kommt über Querschläger. Lodkina knüpft mit ihrem Thema an eine der monumentalen Errungenschaften des modernen Kinos an: das Œuvre von Jacques Rivette. Sie verwandelt seine Obsessionen mit Filmgeschichte in eine Auseinandersetzung mit persönlicher Geschichte, seine Visionen eines umfassenden Netzwerks verborgener Verbindungen in eine intime Geschichte einer ungewissen Suche. Sie greift eines von Rivettes Hauptformaten auf – die Spiegelung, Verdoppelung und Konvergenz der Beziehungen zweier Frauen, wie in Filmen wie „Le Pont du Nord“ und „Céline und Julie Go Boating“ – und fügt ihr ihre eigenen ethischen Herausforderungen hinzu künstlerische Praxis.
„Petrol“ beginnt damit, dass eine College-Filmemacherin namens Eva (Nathalie Morris) mit einem Aufnahmegerät an einem felsigen Strand auftaucht, wo eine kleine Crew anderer junger Filmemacher einen Film dreht (etwas Stilisiertes und Vampirisches). Für Evas Abschlussfilm arbeitet sie an einem experimentellen Dokumentarporträt einer älteren Russin namens Bella (Becky Voskoboinik), einer Frau mit mystischen Neigungen; Eva sammelt Meeresgeräusche als Zierde für den Soundtrack des Films. Sie ist skeptisch gegenüber ihrem Filmschulstudium und sagt ihrer Mutter (Inga Romantsova), dass Filmemachen nicht gelehrt werden kann: „Es ist das Leben; du musst einfach leben.“ Aber wie ihre Mutter erkennt, scheint die fleißige, aber einsame Eva nicht viel zu leben. Die Umstände verschwören sich, um zu helfen: Eva geht abends in der Nähe eines Cafés umher und sieht, wie eine Frau eine Halskette fallen lässt und mit einer Freundin davongeht. Eva (so sehr aus dem Universum von Éric Rohmer wie aus dem von Jacques Rivette) hebt es auf und folgt der Frau, um es zurückzugeben; Die Wanderung bringt sie zu einer Party, wo sie die Frau Mia (Hannah Lynch) trifft, die Vampir-Filmschauspielerin, die eigentlich Künstlerin ist (ihre Spezialität ist Performance-Kunst).
Ihre gegenseitigen Echos sind leise, aber entscheidend. Mia hat das vage Gefühl, dass sie sich schon einmal getroffen haben, und sie hat ihren eigenen überkünstlerischen Ehrgeiz, „wirklich zu leben“. Und Mias verstorbene Schwester hieß auch Eva. Schnell folgt eine Freundschaft; Eva nimmt Mias Einladung an, in ein Gästezimmer in ihrem großzügigen, geliehenen Haus zu ziehen. Mia, die etwas älter wirkt und beruflich viel weiter fortgeschritten ist, hat eine aphoristische Weltweisheit, die Eva bewundert und beneidet – was sie mit dem Vorschlag einer gemeinsamen Filmarbeit zum Ausdruck bringt. Oder besser gesagt, Evas Plan ist es, Mia zu filmen, und die Ausrichtung dieses Projekts – wer ist der Filmer und wer der Gefilmte – wird zu seinem eigentlichen Kern.
Mia reflektiert vor der Kamera über die Erfahrung, gefilmt zu werden, den damit verbundenen Kontrollverlust und die unerwarteten Entdeckungen über sich selbst, die daraus resultieren können. Doch während die Freundschaft und das Filmprojekt voranschreiten, ist es Eva, die die Kontrolle verliert, da die praktischen Aspekte des Filmemachens und das gewöhnliche Hin und Her der Freundschaft eine metaphysische Dimension eröffnen, in der Träume in der Realität widerhallen, Vorstellungen sich zu verwirklichen scheinen Geister, und die Persönlichkeiten von Eva und Mia verflechten sich zunehmend, auch wenn ihre Beziehung komplizierter wird. Außerdem beginnt Eva an ihrem eigenen neuen Film mit Mia zu zweifeln (den sie für ihr Abschlussprojekt einreichen will). Aber dieser Zweifel hat bereits seine visuelle Vorahnung in Evas Alltagserfahrung – in den Aspekten ihres Lebens, die sie bereits lebt und für deren Entdeckung sie nicht weit wandern muss. Eva, die sich nicht selbst filmt, wird sich bewusst, dass sie sich dennoch sieht – in Reflexionen, die sich ihr doppelt ausdrücken, sowohl in einer medizinischen als auch in einer übernatürlichen Dimension.
Zärtlich skizziert Lodkina Evas Familienleben – ihre Eltern, russische Emigranten, sprechen zu Hause Russisch, werden vom Tyrannen ihres Heimatlandes heimgesucht und sind dominiert von dessen hochkulturellem Erbe, das sie Eva im Alltag weitergeben Aktivitäten. Dieses Erbe verleiht auch der Weitergabe von Volksweisheiten eine intellektuelle Note, wenn Evas Mutter sagt: „Informationen werden materiell“ und verbindet die Quantenphysik mit der mystischen Verwirklichung von Träumen und Gedanken in scheinbar Zufälligem. Der Filmemacher kreiert einen Stil von scharf beobachtetem, obertonreichem Realismus, der das Analytische mit dem Mystischen verschmilzt, in dem Schwenks und Zooms mit geheimnisvollen Energien summen, die scheinbar nicht außerhalb des Bildschirms, sondern dahinter verborgen sind. Ruhige Präzision und klare Absichten hallen mit Geheimnissen wider; Einfache, aber aufrüttelnde Spezialeffekte vermitteln die umgebenden Spukerscheinungen der physischen Welt.
Der Film liefert auch eine ironische, punktgenaue Satire auf die kulturellen Bereiche, in denen er lebt: seine wohlhabenden, bürgerlichen Sammler und ihren antikapitalistischen Künstlersohn, die von Steven Spielberg und Leonardo DiCaprio besessenen Filmstudenten, „Titanic“ und die gewalttätigen Genrekonventionen. Während die Handlung fortschreitet, sieht Lodkina, wie Eva die monumentalen, aber fernen Ideale von Dostojewski, Tolstoi und Beethoven hinter sich lässt, um einen erfahrungsorientierten Idealismus von Reisen, Natur, Erkundung und sogar Spaß zu erleben. Die exquisiten künstlerischen und praktischen Ironien solcher Anstrengungen und Entdeckungen wickelt sie in die Substanz des Films ein. Seine Mehrdeutigkeiten und seine fragende Offenheit sind eine offene Tür in die filmische Zukunft; Ich hoffe, dass es eine regelmäßige kommerzielle Veröffentlichung bekommt, und ich bin ungeduldig auf das, was Lodkina als nächstes tun wird. ♦