„Earth Mama“ wirft Fragen nach Rasse, Klasse und Mutterschaft auf

Hallo! Ich bin Mark Olsen. Willkommen zu einer weiteren Ausgabe Ihres regulären Reiseführers in eine Welt des Einzig Guten Filme.

Heute gehen zum ersten Mal seit mehr als 60 Jahren – Ronald Reagan war damals Chef der SAG – Schauspieler an der Seite von Mitgliedern der WGA an die Streikposten – eine Wende, die die Unterhaltungsindustrie dramatisch erschüttern wird. Der derzeitige SAG-Vorsitzende Fran Drescher hielt eine leidenschaftliche Rede, in der er den Streik ausrief. Wie sie sagte: „Irgendwann ist das Ziel erreicht. Sie können nicht weiterhin benachteiligt, ausgegrenzt, respektlos und entehrt werden. Das gesamte Geschäftsmodell wurde durch Streaming, Digital und KI verändert. Dies ist ein Moment der Geschichte, der ein Moment der Wahrheit ist.“

Outfest-Highlights Das LGBTQIA+-Filmfestival Outfest in LA ist jetzt im Gange, auch wenn der SAG-AFTRA-Streik bedeutet, dass die roten Teppiche etwas dünn sein werden. Aber das Angebot an Filmen ist dieses Jahr äußerst umfangreich und bietet dem Publikum viel zu bieten, darunter auch angesagte Titel, die auf anderen Festivals wie Sundance und SXSW Premiere hatten.

Lily Gladstone erregt bereits Aufmerksamkeit durch ihren Auftritt in Martin Scorseses „Killers of the Flower Moon“, ist aber auch eine mitreißende Kraft im Outfest-Titel „Fancy Dance“ als indigene Frau, die versucht, es ihrer Nichte recht zu machen.

Die empörende Komödie „Bottoms“ mit Rachel Sennott und Ayo Edebiri in den Hauptrollen wird im August in die Kinos kommen und dem Outfest-Publikum einen ersten Einblick gewähren. Auch Filme wie „Passages“, „Problemista“, „Mutt“, „Rotting in the Sun“, „It’s Only Life After All“, „My Animal“ und „Cora Bora“ dürften Höhepunkte des Programms sein .

Am Samstagabend findet die offizielle US-Premiere von „The People’s Joker“ statt, der mutigen und satirischen Neuinterpretation des Universums von Batman und DC Comics durch Autorin, Regisseurin und Hauptdarstellerin Vera Drew als queere Identitätserzählung.

Das Festival endet am 23. Juli mit dem Dokumentarfilm „Chasing Chasing Amy“, in dem der Filmemacher Sav Rodgers anhand von Kevin Smiths Liebeskomödie „Chasing Amy“ aus dem Jahr 1997 seine eigene Identität erkundet. Die Interviews des Films mit Smith, dem Originalstar Joey Lauren Adams und der Schauspielerin und Autorin Guinevere Turner sind bemerkenswert aufschlussreich und offenherzig und verleihen dem Film eine entwaffnende Kraft.

ARay-Sommervorführungen Die kostenlose Sommervorführungsreihe im Amanda Cinema von Array ist von dem Gemälde „Hollywood-Afrikaner vor dem chinesischen Theater mit Fußabdrücken von Filmstars“ von Jean-Michel Basquiat inspiriert. Die Serie stützt sich auf Basquiats umfangreiche Sammlung von VHS-Kassetten und untersucht, wie das Kino Basquiats Sinn für das Geschichtenerzählen beeinflusst hat. Seine Schwester Lisane Basquiat wird an diesem Samstag zu Gesprächen rund um die Vorführungen von „Shaft“ von Gordon Parks aus dem Jahr 1971 mit Richard Roundtree und Martin Brests Komödie „Beverly Hills Cop“ mit Eddie Murphy anwesend sein.

Am 5. August wird es Vorführungen von George Romeros Original „Die Nacht der lebenden Toten“ von 1968 und John Sayles‘ „Brother From Another Planet“ von 1984 geben. Im Rahmen der Feierlichkeiten wird es auch Pop-up-Events und ein Selbstporträtstudio geben.

Chaotisch MEssage-Filme an der UCLA Das UCLA Film and Television Archive startet eine Reihe mit dem Titel „Telegrams From the Edge: The Message Picture in the Age of Noir“, die untersucht, was diese Filme explizit über ihre Zeit zu sagen hatten. Die Reihe beginnt am Freitag mit „Shock Corridor“ von Samuel Fuller aus dem Jahr 1963, einem Film, der nie seine breiige, desorientierende Note verlieren wird. Zu den weiteren Filmen der Reihe gehören Robert Wises „Der Tag, an dem die Erde stillstand“ von 1951, William Wellmans „The Next Voice You Hear“ von 1950, Joseph Loseys „The Lawless“ von 1950 und Wises „I Want to Live!“ von 1958. und „Not Wanted“ von Elmer Clifton und Ida Lupino aus dem Jahr 1949.

„Erdmama“

„Earth Mama“, geschrieben und inszeniert von der Olympia-Athletin und Filmemacherin Savanah Leaf, ist ein zartes, humanistisches Porträt von Mutterschaft, Rasse und Klasse. Während Gia (Tia Nomore) hofft, das Sorgerecht für zwei Kinder in Pflegefamilien zurückzugewinnen, kämpft sie darum, eine weitere Schwangerschaft zu überstehen. Die eindrucksvolle Darstellung des Lebens in der Bay Area im Film wurde von der gefeierten Kamerafrau Jody Lee Lipes eingefangen. Der Film ist jetzt im Kino.

Für The Times schrieb Justin Chang: „Wenn sich das Filmemachen poetisch und zurückhaltend anfühlt, ist es das Gegenteil von schüchtern.“ Leaf ist zuversichtlich genug, dass ihre Bilder ebenso wie ihre schriftlichen Dialoge einen großen Teil der erzählerischen Wirkung ausmachen. … Im einfachsten Fall ist dies eine Geschichte darüber, wie Gia lernt, wieder zu vertrauen und den Mythos der Selbstgenügsamkeit abzulehnen. Sie erfährt erneut, wie eng sie mit den anderen schwarzen Frauen um sie herum verbunden ist: Miss Carmen, Trina, ihre Freundin Mel (eine stille unnachgiebige Keta Price) und ihre Klassenkameraden, von denen einige ihre eigenen berührenden Berichte über Kampf und Widerstandskraft erzählen. Das sind gewöhnliche Geschichten, schlägt Leaf demütig vor, auch wenn sie sie mit außergewöhnlicher Gefühlstiefe erzählt.“

In einem bevorstehenden Times-Interview sprach Jen Yamato mit Leaf und Nomore, einem Rapper, der noch keine Erfahrung als Schauspieler hatte. Nomore sagte, sie habe nicht vor, Schauspielerin zu werden, bevor die Casting-Direktoren sie in einem Park auf Video aufzeichneten. „Als Hausfrau habe ich es kaum geschafft, mich zusammenzureißen“, erklärte sie. „Aber ich hätte auch nicht gedacht, dass sie mich auswählen würden. Ich dachte, entweder benutzen sie mich nur für Forschungszwecke oder Savanah möchte im wirklichen Leben meine Freundin sein. Was auch immer es war, ich habe es mitgemacht.“

‘Ein Feuer’

Christian Petzold hat sich mit seinen geschichtsträchtigen Erkundungen in Filmen wie „Barbara“ und „Transit“ zu einem der berühmtesten zeitgenössischen deutschen Filmemacher entwickelt. Umso überraschender wirkt seine zeitgenössische Küsten-Beziehungsgeschichte „Afire“. Leon (Thomas Schubert), ein Romanautor, der versucht, ein neues Buch fertigzustellen, geht mit seinem Freund Felix in ein Haus am Meer, in der Hoffnung, sich zu entspannen. Dort treffen sie auf Nadja (Paula Beer), deren Anwesenheit den selbstbesessenen Leon verunsichert. Der Film läuft jetzt im Kino.

Für The Times schrieb Justin Chang: „Während dieses Films, einer fesselnden, scharfsinnigen und oft witzigen Ausweidung des künstlerischen Egos, übt Petzold einen geschickten und entwaffnenden Taschenspielertrick, indem er wichtige Details einsetzt, um den Zuschauer aus dem Gleichgewicht zu bringen und ihm einen scharfen Tadel zu versetzen.“ Leons Kurzsichtigkeit. … Es ist eher ein Zeichen des Mitgefühls als der Grausamkeit dieses Films, dass Nadja – gespielt von Beer, Petzolds häufigem Mitarbeiter der letzten Zeit, mit exquisitem Feingefühl und präzisem komischen Timing gespielt wird – zur Stelle ist, um ihn wieder herauszuziehen. Sie wischt diesen finsteren Blick nicht aus Leons Gesicht, obwohl sie andeutet, dass er produktiver nach innen gerichtet sein könnte.“

Tim Grierson sprach mit Petzold über den Film, bei dem der Filmemacher in einem komödiantischeren Stil arbeitet als bei seinen vorherigen Filmen. Erst als er mit seiner Besetzung am Tisch las, wurde ihm klar, wie lustig der Film sein könnte.

Er sagte: „Es hat etwas mit meiner Ausbildung an der Berliner Filmhochschule zu tun. Anfang der 90er Jahre, als ich dort Student war, waren wir vom deutschen Kino umgeben, das auf Komödien basiert – richtig schlechte Komödien, muss ich sagen. … Unsere Reaktion war also: Wir werden sehr harte Filme machen, sehr melodramatische Filme. Aber mein ganzes Leben lang war ich ein Fan von Musicals und Komödien. Ich liebe Jacques Demy, „Singin‘ in the Rain“ und alle Filme von Howard Hawks. Ich mag die Filme von Hawks, die Dialoge sind wie Kämpfe – sie sind wie Boxen. Man lernt so viel über den Raum, über das Timing, über den Rhythmus.“

Thomas Schubert und Paula Beer in „Afire“.

(Christian Schulz / Janusfilms)

„Final Cut“

„Final Cut“ von Michel Hazanavicius, ein Remake des japanischen Films „One Cut of the Dead“ aus dem Jahr 2017, ist ein unerwarteter Einstieg in die Zom-Com-Geschichtenerzählung des Oscar-prämierten Filmemachers hinter „The Artist“. Darin werden Mitglieder einer Billigfilmproduktion, darunter der Regisseur (Romain Duris) und die Maskenbildnerin (Bérénice Bejo), von echten Zombies bedrängt. Der Film ist jetzt im Kino.

Für The Times schrieb Amy Nicholson: „Hazanavicius hat einen Film gemacht, der unsere Vorstellungen von kreativem Genie auf die Probe stellt. In dieser Eröffnung weist er uns auf eine Richtung hin – das ist kein Genie – und am Ende drängt er uns dazu, uns zu fragen, ob das so ist. Diese Publikumsmanipulation ist ein brillanter Akt. … Da wird einem klar, dass sich dieses trashige, alberne, schwindelerregende, schlampige Gore-Fest gar nicht so sehr von „The Artist“ unterscheidet. Beide machen uns für die Kämpfe hinter den Kulissen des Künstlers oder in diesem Fall dieser zappelnden und weitaus weniger talentierten Künstler beliebt.“

Romain Duris, Bérénice Bejo und Simone Hazanavicius in „Final Cut“.

(Kino Lorber)