Diese Filmmusiken decken ein Spektrum musikalischer Farben ab

Das Wort „Spektrum“ tauchte in fast jedem Interview mit den in dieser Ausgabe vorgestellten Oscar-Kandidaten-Komponisten auf. Manchmal ging es darum, die helleren oder dunkleren Enden einer emotionalen Bandbreite zu bevorzugen, oder in einem Fall, das Kontinuum zwischen weiblichen Kriegern aus Afrika des 19. Jahrhunderts und den Frauen im eigenen Leben eines Komponisten zu ehren. Bei „Nope“ war es Teil von Jordan Peeles Gesamtkonzept für den Film.

Das Spektrum der Klänge und musikalischen Farben, die in den diesjährigen besten Scores zu hören sind, reicht von unterschwellig („Tár“) bis explosiv („She Said“), von kindlicher Unschuld („The Banshees of Inisherin“) bis hin zu Kriegsschreien („The Frau König“). Drei Partituren – „Women Talking“, „Nope“ und „White Noise“ – bewegen sich alle zwischen der hoffnungsvollen, warmen Musik von zu Hause und dem Countdown einer Weltuntergangsuhr (suchen Sie sie an anderer Stelle in dieser Ausgabe nach). Die Filmmusik von 2022 strotzt vor aufgestauter Wut und pechschwarzem Humor, uralten Übeln und zeitgenössischen Monstern, Männern mit emotionalen Blockaden und Frauen, die endlich ausbrechen müssen. Hier sind drei, die es waren passend lyrisch, entzündlich und – manchmal – sehr lustig.

Terence Blanchard

„Der Frauenkönig“

Terence Blanchard war froh, dass er „The Woman King“ zum ersten Mal alleine gesehen hat – „weil ich mir den Arsch abgerissen habe, Mann“, sagt er lachend. „Und ich habe versucht, cool zu sein, weißt du. Aber diese letzten beiden Szenen machen für mich den Film aus.“

In Gina Prince-Blythewoods Film über die Kriegerinnen des westafrikanischen Königreichs Dahomey spielt Viola Davis die Agojie-Anführerin Nanisca, eine wilde Maschine einer Frau, deren Verletzlichkeit und Herz nur langsam zu brechen beginnen. Ohne etwas zu verraten, war Blanchard von dieser Entwicklung bewegt, wusste aber, dass er seine emotionalen Karten bis zum richtigen Moment halten musste.

Der verstorbene Jazz-Schlagzeuger Art Blakey „machte früher so etwas, wo wir dieses Stichwort spielen mussten, und dann war die Show zu Ende“, erinnert sich Blanchard. „Aber er würde diese Gesangssache machen, er würde sagen: ‚Boom – noch nicht! Bumm – ich sag dir wann!“ Und dann: ‚Hier genau – BANG.’ Das war es, was mir immer wieder danach war, daran zu arbeiten. Es ist wie: nein, nein, nein, noch nicht, noch nicht.“

Er hat die Eröffnungsszenen, die ein Porträt des pulsierenden, blühenden Dorfes Dahomey zeichnen, mit afrikanischer Pastorale versehen – ein hüpfendes Streichorchester zusammen mit einem sanften Groove auf regionalen Instrumenten wie Kalimba und Kora. Musik für das Paradies vor dem Fall.

„Die Schönheit und der Prunk dieses Königreichs bestimmen alles andere“, sagt Blanchard. „Für mich musste die Musik also diese warme, vertraute Art von Resonanz haben. Ich wollte, dass es sich anfühlt, als wäre dies eine Nachbarschaft, zu der jeder gehören möchte.“

In dem Film gibt es die Zeile „Es gibt ein Übel, von dem sie nicht wissen, dass es kommt“, und bezieht sich auf den sich ausbreitenden Sklavenhandel. „Das ist genau das Nebeneinander der Musik“, sagt Blanchard.

„Sie gehen zum Königreich und laufen dort herum – im Gegensatz zu Nanisca, die außerhalb des Königreichs ist und die Realität dessen sieht, was vor sich geht. Es gibt einen großen Unterschied zwischen den beiden.“

Die spirituelle und emotionale Verletzlichkeit in der Geschichte war es, die die kinetischen Actionsequenzen des Films funktionieren ließ, glaubt Blanchard – und er wollte die beiden Pole kontrastieren und ergänzen.

Der Chorus spielt eine große Rolle in seiner Partitur – ob Sprechgesänge, Singen oder Summen – mit Sängerin Dianne Reeves als Frontmann. Blanchard dachte darüber nach, wie die südafrikanische Vokalgruppe Ladysmith Black Mambazo ihn immer an amerikanische Gospelmusik erinnerte.

„Als ich anfing, über die Agojie-Frauen nachzudenken und wie stark sie waren“, sagt er, „scheint es, als würde diese DNA in die Frauen übertragen, mit denen ich aufgewachsen bin. Für mich gibt es diese Verbindung zwischen der Art und Weise, wie ich aufgewachsen bin, und dem, was ich auf dem Bildschirm gesehen habe. Und wenn man in einer Kirche aufwächst, ist diese Musik eine sehr gemeinschaftliche Musik und eine sehr kraftvolle Musik.“

„Auf seltsame Weise“, sagt er, „fühlt es sich an, als wäre ich wieder mit etwas verbunden, von dem ich weggenommen wurde. … [It] fühlte sich einfach vertraut an, auf eine Weise, die ich nicht erklären kann. Ich wollte, dass die Musik kulturell mit Dahomey verbunden ist, aber dennoch spirituell mit unserer Linie verbunden ist.“

Nicolas Britell

“Sie sagte”

Nicholas Britell hat die Cellistin Caitlin Sullivan in den meisten seiner Filmmusiken gezeigt – am prominentesten in „If Beale Street Could Talk“. Aber als er „She Said“ sah, eine intensive Prozedur über die beiden Reporter der New York Times, die die Geschichte der sexuellen Übergriffe von Harvey Weinstein veröffentlichten und die #MeToo-Bewegung auslösten, war er fest davon überzeugt, dass sie eine noch größere Rolle spielen sollte.

„Es gibt viele Teile des Films, in denen ich die Dinge an die Untersuchung anpassen und diesen wirklich funktionalen Bedürfnissen folgen würde“, sagt er. „Aber ich denke, was mich wirklich daran gereizt hat, war die Erforschung der inneren emotionalen Welt. Und das wunderbare Ergebnis davon war die Zusammenarbeit mit Caitlin als Co-Produzentin an der Partitur – etwas, wozu wir noch nie zuvor die Gelegenheit hatten.“

Sullivan und Britell sind ebenfalls verheiratet und kennen sich seit kurz nach der High School.

„Jeden Tag sprechen wir über Musik“, sagt Sullivan, „und ich denke, wir leben und atmen all diese Gespräche darüber, was wir über Musik denken, welche Künstler uns begeistern. … Aber es fühlte sich wie eine ziemlich natürliche Weiterentwicklung an, einfach ein bisschen intensiver zusammenarbeiten zu wollen.“

Sullivan reagierte stark emotional auf Maria Schraders Film, in dem Carey Mulligan und Zoe Kazan als Megan Twohey und Jodi Kantor furchtlos die jahrzehntelange Vertuschung von Weinsteins sexuellen Raubzügen aufdecken und sich in das Trauma seiner vielen Opfer einfühlen. Sie übersetzte Gefühle der Wut in viszerale Effekte – wie das Knacken von Saiten auf dem Griffbrett ihres Cellos oder das Zupfen einer Saite mit der Rückseite ihres Nagels, „um einen perkussiven, hallenden, sich wiederholenden Klang zu erzeugen, den ich als grobkörnig, aber auch hartnäckig empfand“.

Sie erfand einen wirbelnden Arpeggio-Effekt, den Britell zu einem Motiv für die „Erinnerung an ein Trauma“ machte. Es „symbolisiert diese Vorstellung von der Komplexität und dem Schmerz und dem Gefühl, irgendwie damit umgehen zu müssen“, sagt er. „Man weiß nicht, wann das zurückkommt, und gelegentlich erhebt es seinen Kopf. Das versucht die Partitur aktiv auszudrücken.“

Die größtenteils von Streichern und Klavier gespielte Partitur wirbelt und schnappt und crescendiert, bricht manchmal in riesigen Schallwellen zusammen und explodiert zugunsten dieser Frauen, die terrorisiert wurden, in Stille.

„Da war dieses Dokudrama-Feeling“, sagt Britell. „Gleichzeitig fand ich es sehr wichtig, dass dabei die ganze Bandbreite an Emotionen zu spüren ist. Es ist keine Dokumentation. Und an der Oberfläche gibt es diese Untersuchung, es gibt diese Suche nach der Wahrheit und nach der wahren Geschichte – aber ich denke, eines der wirklich besonderen Dinge, die Maria getan hat, das der ganze Film tut, ist, dass er sich mit dieser Frage von Öffentlichkeit und privat, von der Art innerer Gefühle und äußerer Gefühle der Welt.“

„Das war wirklich das Zentrum der emotionalen Welt, nach der ich in der Musik gesucht habe“, sagt er, „diese Frage, wie man das öffentliche Leben der Menschen und ihr Privatleben in Einklang bringt, und die innere Reise von Megan und Jodi – aber auch in gewissem Sinne, denke ich, alle Frauen.“

Carter Burwell

„Die Todesfeen von Inisherin“

Eines der ersten Worte von Martin McDonagh an den Komponisten Carter Burwell über seinen neuen Film „The Banshees of Inisherin“: „I don’t want any Irish film music in this.“

Burwell lacht: „Also musste ich das ernst nehmen.“

Die Geschichte spielt auf einer fiktiven irischen Insel und ist mit ultra-irischen Charakteren bevölkert – angeführt von Colin Farrell und Brendan Gleeson als zwei alte Freunde, deren Beziehung plötzlich und untrennbar zerrüttet ist.

„Alles andere ist sehr irisch“, sagt Burwell – „der Akzent, die Kleidung, die Situation, der Pub. Mir war nicht klar, was er tun wollte, aber es ist klar, dass er nicht wollte, dass die Musik einen in Irland zurücklässt. Er wollte, dass es dich woanders hinführt.“

Burwell konzentrierte sich auf Farrells Charakter Pádraic, einen Bauern, der von seinem Freund als Dummkopf charakterisiert wird. Er schrieb langsam gehende Musik für Celesta, Harfe, Marimba und Glockenspiel – was „alles zu funktionieren schien, um ihn im Grunde wie ein Kind zu malen, wie ein männliches Kind. Das sind alles Instrumente, die man in einer Grundschule finden könnte.“

Eine der temporären Musikspuren, die McDonagh verwendete, war überraschenderweise ein Stück indonesische Gamelan-Musik. Also fügte Burwell subtil Elemente von Gamelan-Gongs unter diese hohe, kindliche Musik ein. „Das machte es nicht ganz so fröhlich“, sagt er. „Da ist etwas, das nicht ganz passt, und man kann nicht genau sagen, was es ist. Es gibt ein Geheimnis am Ende der Melodie.“

So wie es auf dieser Insel ein Rätsel gibt, mit verzweifelten Charakteren und einem alten Weib, das ihren Tod prophezeit, wo ein einfacher Streit zu Selbstverstümmelung und Mordversuch eskaliert. Pádraic beginnt scheinbar am unschuldigen Ende des moralischen Spektrums – aber im Laufe der Zeit reist er zu einigen ziemlich dunklen Extremen.

Burwell mochte es, seine Musik auf diesen glockenartigen Idiophonen zu hören, denn „sie werden niemals sentimental. Es gibt keine traurige Marimbalinie. Also impft es einen, wenn man diese Instrumente benutzt, irgendwie davon ab, sich Sorgen darüber zu machen, dass die Musik selbst eigentlich traurig wird.“

Dennoch ist es ein zutiefst trauriger Film, der auch sehr lustig ist, eine Verbindung, die McDonagh und Burwell perfektioniert zu haben scheinen.

„Ich denke, man kann mit Sicherheit sagen, dass wir beide das Leben als endlose Tragödie sehen, für die man irgendwie eine Pointe finden muss“, sagt Burwell – mit einem Kichern.