In einer Zeit weit verbreiteter Debatten über die Darstellung von Frauen im Film haben die besten japanischen Animatoren seit langem Heldinnen geschaffen, die vielschichtiger und komplexer sind als viele ihrer amerikanischen Kollegen. Sie haben Fehler und Schwächen und Temperamente sowie Stärken und Talente. Sie sind keine Immobilien oder Franchise; Es sind Charaktere, an die die Filmemacher glauben.
Wie viele Teenager hat Suzu in Mamoru Hosodas „Belle“ (dieses Jahr hier veröffentlicht und auf großen digitalen Plattformen erhältlich) ein Online-Leben, das ihren Alltag überschattet: Ihr Alter Ego, die Titelfigur, ist die amtierende Pop-Diva der Cyberwelt von U. Im wirklichen Leben ist Suzu eine introvertierte Highschool-Schülerin in einer Stadt mit Fliegenflecken – sogar ihre beste Freundin nennt sie „einen Bauerntölpel“. Aber sie gewinnt immer noch anspruchsvolle Zuhörer, da ihre Musik die Liebe und den Schmerz widerspiegelt, den sie erfahren hat, insbesondere seit dem Tod ihrer Mutter, die ertrunken ist, um ein Kind aus einem überfluteten Fluss zu retten.
Suzu vermisst sie, aber sie ist auch wütend auf sie, weil sie sich für „ein Kind, dessen Namen sie nicht einmal kannte“ opferte. Suzu ging so weit, ihre beeindruckende musikalische Begabung aufzugeben, weil ihre Mutter sie förderte. Amerikanische Heldinnen mögen eine Sehnsucht nach einem verschwundenen Elternteil ausdrücken, aber nicht die tiefen, komplizierten Emotionen dieser Neubearbeitung von „Die Schöne und das Biest“. Die Protagonistin der Disney-Version vermisst ihren Vater, als sie zustimmt, Beasts Gefangene zu werden, aber sie erwähnt nie ihre Mutter. Jasmine in „Aladdin“ auch nicht.
In einem Videoanruf sagte Hosoda, er glaube, dass eine große Veränderung in der Animation stattgefunden habe, als die Disney-Künstler Belle zu einer unabhängigeren, intelligenteren und zeitgemäßeren jungen Frau als ihre Vorgängerinnen machten. Sie wollte ein aufregenderes Leben, als es ihre „arme Provinzstadt“ bieten könnte – ein Wunsch, den Schneewittchen oder Aschenputtel nie geäußert haben. „Wenn Sie an Animation und weibliche Hauptdarsteller denken, landen Sie immer in den Märchen-Tropen“, sagte Hosoda durch einen Übersetzer. „Aber sie haben diese Vorlage wirklich gebrochen: Es fühlte sich sehr neu an. In ähnlicher Weise haben wir in „Belle“ versucht, keine Figur zu erschaffen, sondern eine Person: jemanden, der die Gesellschaft widerspiegelt, in der wir leben.“
Die Bestie, der Suzu in U begegnet, ist kein verzauberter Prinz, sondern Kei, ein missbrauchter Jugendlicher, der darum kämpft, seinen jüngeren Bruder vor ihrem brutalen Vater zu beschützen. Um die Jungs zu retten, wirft Suzu Belles glamouröses Drumherum ab und entpuppt sich als das einfache Highschool-Mädchen, das sie ist. Wenn sie als sie selbst singt, berührt sie den Jungen, dem sie helfen möchte, und auch ihr trauerndes Herz.
Da japanische Zeichentrickfilme von kleineren Crews und mit kleineren Budgets produziert werden als bei großen amerikanischen Filmen, können Regisseure persönlichere Visionen präsentieren. Amerikanische Studios beschäftigen Story-Crews; Hosoda, Hayao Miyazaki, Makoto Shinkai und andere Autoren schreiben selbst Storyboards für ganze Filme. Ihre Arbeit unterliegt keinem Gantlet von Testpublikum, Genehmigungen durch die Geschäftsführung oder beratenden Ausschüssen.
Shinkai brach 2016 mit „Your Name“ (jetzt auf digitalen Plattformen) Kassenrekorde in Japan. Es beginnt als Teenie-Romcom mit Körpertausch, entwickelt sich aber zu einer Meditation über das Trauma, das viele Japaner nach dem Erdbeben und dem Tsunami 2011 immer noch erleiden.
Mitsuha ist gelangweilt von ihrem Leben in der ländlichen Stadt Itomori; Taki, ein Student in Tokio, möchte Architekt werden. Eines Morgens wachen sie in den Körpern des anderen auf und müssen den Alltag bewältigen, ohne zu wissen, wo sie etwas finden oder wer jemand ist.
Während der Körpertausch wiederkehrt, lernen sie durch ihre Umgebung voneinander und bauen eine Bindung auf, die über physische Distanz und Zeit hinausgeht. Mitsuha schwelgt in den anspruchsvollen Attraktionen Tokios. Taki zeichnet die Itomori, die er durch Mitsuhas Augen sieht, aber das führt ihn zu einer erschütternden Entdeckung: Die Stadt wurde drei Jahre zuvor durch einen verheerenden Meteoriteneinschlag zerstört.
Verzweifelt versucht er Mitsuha zu warnen und erreicht sie durch shintoistische Magie. Sie treffen sich kurz in der Dämmerung, wenn in der japanischen Folklore die Grenzen zwischen den Welten durchlässig werden. Wie alle unbeholfenen Teenager lachen, streiten, vergießen sie Tränen und schwören, wieder zusammen zu sein, aber sie formulieren auch einen Plan, um die Menschen von Itomori zu retten.
Als Taki verschwindet, handelt Mitsuha. Sie ist keine Prinzessin auf der Suche nach der Bewahrung ihres Reiches wie Moana oder Poppy in „Trolls 2“. Sie ist ein verängstigtes Mädchen, das versucht, ihre Familie und Freunde vor einer tödlichen Bedrohung zu retten. Sie trotzt ihrem pompösen Politikervater und nutzt ihre Intelligenz und Entschlossenheit, um ihre Angst zu überwinden und Hunderte von Menschenleben zu retten. Aber jedes fähige Highschool-Mädchen könnte das tun, was Mitsuha tut: Sie braucht keine Superkräfte, um den Tag zu retten.
„Letztendlich verliert Mitsuha immer noch ihre Heimatstadt; sie zieht nach Tokio“, sagte Shinkai in einem Interview per E-Mail. „Seit dem Erdbeben von 2011 leben die Japaner mit der Angst, dass unsere Städte verschwinden könnten. Aber selbst wenn das passiert, selbst wenn wir woanders hinziehen müssen, leben wir weiter. Wir treffen einen besonderen Menschen. Das ist es, was ich von Mitsuha wollte, von der ich wollte, dass sie ist.“
Der Trend zu komplexen Heldinnen ist im Anime nicht neu. Miyazakis Oscar-prämierter „Spirited Away“ (in Japan 2001 veröffentlicht und jetzt auf HBO Max) entstand aus seiner Unzufriedenheit mit den oberflächlichen Unterhaltungsangeboten für heranwachsende Mädchen in Japan. „Ich wollte, dass die Hauptfigur ein typisches Mädchen ist, in dem sich eine 10-Jährige wiedererkennen kann“, erklärte er durch einen Übersetzer in einem Interview. „Sie sollte keine außergewöhnliche Person sein, sondern eine alltägliche, reale Person – auch wenn diese Art von Charakter schwieriger zu erschaffen ist. Es wäre keine Geschichte, in der die Figur aufwächst, sondern eine Geschichte, in der sie auf etwas zurückgreift, das bereits in ihr steckt und das durch die besonderen Umstände zum Vorschein kommt.“
Die Protagonistin Chihiro beginnt als bockige Heranwachsende: Ihre „dürren Beine und ihr mürrisches Gesicht“ symbolisieren ihre überbehütete, unterentwickelte Persönlichkeit. Die Prüfungen, denen sie in Yubabas Badehaus ausgesetzt ist, einem Spa für Naturgeister, die von menschlicher Verschmutzung besudelt sind, zwingen Chihiro, ungenutzte Ressourcen an Stärke, Mut und Liebe zu entwickeln. Am Ende des Films wurde das mürrische Mädchen durch eine selbstbewusstere, fähigere junge Frau ersetzt, die sich um andere kümmert. Ihre Verwandlung zeigt sich in der Animation: Schon früh rennt sie wie ein wählerisches Kind, die Augen halb geschlossen. Später, als sie zu einem Save-a-Friend geht, rennt sie aufs Ganze, Knie und Ellbogen pumpen.
In Isao Takahatas „Only Yesterday” (1991, jetzt auf HBO Max) hat Taeko einen langweiligen Job und eine winzige Wohnung im Tokio von 1982. Aber sie ist 27 und Single zu einer Zeit, als von japanischen Frauen erwartet wurde, dass sie vor 25 heiraten. Gelangweilt von ihrer banalen Existenz beschließt sie, Cousins vom Land zu besuchen, bei denen sie vor Jahren gewohnt hat.
Taeko ist überrascht, als sie feststellt, dass ihr Fünftklässler-Ich sie auf der Reise begleitet hat. Die gespenstische Präsenz des Mädchens, das sie einst war, löst eine Flut von Erinnerungen aus: Schulfreundschaften, Streitereien mit den Schwestern, der Beginn der Pubertät. Indem Taeko erforscht, wer sie war, erfährt sie, wer sie werden möchte, in einem bewegenden, dezenten Porträt einer Frau an einem Scheideweg in ihrem Leben.
Wie Greta Garbo zog sich Chiyoko Fujiwara in Satoshi Kons „Millennium Actress“ (hier 2003 veröffentlicht und auf Roku Channel erhältlich) auf dem Höhepunkt ihres Ruhms von der Leinwand zurück. Nach 30 Jahren Abgeschiedenheit gewährt sie der Dokumentarfilmerin Genya Tachibana ein Interview. Während Chiyoko in Erinnerungen schwelgt, finden sich Tachibana und sein abgestumpfter Kameramann in ihren verworrenen Erinnerungen – und Filmen – wieder. Als Jugendliche in den 1930er Jahren verliebte sich Chiyoko in einen verwundeten Künstler, der vor der gefürchteten Gedankenpolizei floh.
Kon verschiebt die Erzählung mühelos von der Realität über die Erinnerung zum Film. In der von Japan besetzten Mandschurei greifen Banditen den Zug an, in dem die jugendliche Schauspielerin unterwegs ist. Eine Tür im brennenden Eisenbahnwaggon öffnet sich in ein feudales Schloss in einem Film aus der Feudalzeit: Chiyoko spielt eine Prinzessin, die entschlossen ist, sich ihrem Herrn im Tod anzuschließen. Als Geisha des 19. Jahrhunderts schützt sie den Künstler vor den Truppen des Shoguns in Kyoto; Als Astronautin begibt sie sich auf eine Mission, um ihn zu finden, obwohl sie weiß, dass sie nicht zurückkehren kann. Die visuelle Komplexität des Films spiegelt Chiyokos Persönlichkeit wider. Kon zeigt sie als unabhängige Frau, die ihre eigenen Entscheidungen traf: welchen Beruf sie ausüben, wann und wen sie heiraten, wann sie sich scheiden lassen, welche Rollen sie spielen, wann sie in Rente gehen.
Obwohl fast alle japanischen Animationsregisseure männlich sind, haben in den letzten Jahren immer mehr Frauen wichtige Rollen als Produzenten, Autoren, Musiker und mehr übernommen. Ihre Beiträge beeinflussen die Art und Weise, wie Mädchen und Frauen auf dem Bildschirm dargestellt werden.
O-Ei in Keiichi Haras „Miss Hokusai“ (hier 2016 veröffentlicht und jetzt auf digitalen Plattformen) basiert auf einer realen Person, der Tochter der großen Grafikerin Katsushika Hokusai. Obwohl ihr nur wenige Werke mit Sicherheit zugeschrieben werden können, war O-Ei eine eigenständige Künstlerin, und viele Historiker glauben, dass sie ihrem Vater half, als seine Fähigkeiten im Alter nachließen.
Rapunzel in „Tangled“ hat die Wände ihres Turmzimmers mit Gemälden bedeckt, aber sie zeigt wenig Interesse an Kunst, sobald sie entkommen ist. Im Gegensatz dazu schreitet O-Ei selbstbewusst durch das Edo des 19. Jahrhunderts, überzeugt von ihrem Talent und ihrem Platz in seiner lebendigen künstlerischen Kultur. Sie konzentriert sich auf ihr Zeichnen und hat keine Lust auf die traditionellen weiblichen Pflichten der Haushaltsführung. „Wenn es zu schmutzig wird, ziehen wir um“, sagt sie unverblümt.
O-Ei spiegelt die Erfahrungen von Frauen im modernen Japan wider, die dem Sexismus seiner traditionellen Kultur entfliehen, einschließlich der Künstlerinnen, die an dem Film gearbeitet haben. Hara erklärte per E-Mail: „Ich habe keine direkte Erfahrung mit O-Eis Geisteszustand: Ich kann nur raten. Aber Co-Produzentin Keiko Matsushita, Schauspielerin Anne Watanabe (die O-Eis Stimme beisteuert) und Singer-Songwriterin Ringo Sheena, die sehr willensstarke, kreative Frauen sind, die ihre Ziele mit großer Entschlossenheit verfolgen, haben möglicherweise eine Beziehung zu O-Ei eher persönliche Ebene. Der Film spiegelt die Liebe und Hingabe wider, die sie hineingesteckt haben.“