BERLIN — Wie ist Ihre Strategie bei einem Nasenabstrich-Antigentest? Ich persönlich schaue nach oben und nach rechts, als der Techniker den kleinen Zauberstab einführt, wobei ich entweder einen Hauch von Lässigkeit vortäusche oder so tue, als wäre mir ein höchst origineller Gedanke gekommen. Ich weiß, dass andere müßiges Geschwätz machen, und mindestens ein anderer Kritiker hat es sich angewöhnt, dem Tester tief in die Augen zu starren. Es ist eine Pandemie: Du holst dir deine Kicks, wo du kannst.
Bei den Internationalen Filmfestspielen Berlin – die ihre Preisträger am Mittwoch bekannt gegeben haben, aber die öffentlichen Vorführungen bis zum 20. Februar fortsetzen – hatten die anwesenden Pressevertreter reichlich Gelegenheit, ihre Abstrichtechnik zu verfeinern. Obligatorische Tests alle 24 Stunden – auch für die Booster – waren Teil eines Pakets von Einschränkungen, denen die Organisatoren des Festivals, das als Berlinale bekannt ist, zugestimmt haben, damit es als physisches Ereignis stattfinden kann.
Es gab Beschwerden. Aber jedes Mal, wenn sich jemand über das neue Ticketbuchungssystem beschwerte oder sich über die Escher-inspirierten Ausgangsrouten ärgerte, die immer mehrere Treppen bergauf zu beinhalten schienen, dachte ich: „Komm damit klar.“ Oder manchmal, weniger wohltätig: „Suck it up.“
Der Kategorienfehler der Beschwerdeführer besteht darin, diese Ausgabe mit reduzierter Besucherzahl mit Before Times Berlinales zu vergleichen. Der wirkliche Vergleich ist mit der letztjährigen Online-Version, die eine stärkere Auswahl an Filmen debütierte, sich aber überhaupt nicht wie ein Festival anfühlte. Betrachten Sie diese einsame Erfahrung als Alternative und die Treppen, Sitzprobleme und Abstriche werden zu einem kleinen Preis, den Sie zahlen müssen.
Und wie tief Ihr Tester auch vordringt, es könnte kaum so invasiv sein wie die öffentliche Koloskopie, die in Peter Stricklands absichtlich exzentrischem „Flux Gourmet“, einem der lebhaften frühen Titel der Veranstaltung, durchgeführt wird. Stricklands Film war sicherlich die zielstrebigste Beschwörung des Unbehagens, Blähungen zu unterdrücken, die es je auf einem großen Festival gegeben hat, und wurde nur von François Ozons Festivaleröffnungsfilm „Peter von Kant“ wegen seiner lustigen, knalligen Ästhetik, die eine seltsam wegwerfbare Geschichte schmückt, übertroffen. Ozons Film vollbringt amüsanterweise seinen Trick, Details aus Rainer Werner Fassbinders Biografie über eine geschlechtsneutrale Neubearbeitung von Fassbinders Klassiker „Die bitteren Tränen der Petra von Kant“ von 1972 zu legen, ohne jemals wirklich zu begründen, warum.
Der Single-Location „Peter von Kant“ ist einer von mehreren Berlinale-Filmen, die von Dreharbeiten unter Pandemiebedingungen geprägt sind. „Feuer“, der Claire Denis (unglaublicherweise) ihren ersten Preis für die beste Regie bei einem großen Filmfestival einbrachte, ist ein anderer. Hier spielt Juliette Binoche eine Frau, die zwischen zwei Liebenden hin- und hergerissen ist (oder zwischen „Beide Seiten der Klinge“, wie der eindrucksvollere internationale Titel des Films es ausdrückt). Wenn es hinter Denis ‘höchsten Wassermarken zurückbleibt, ist es zumindest bemerkenswert, wie es die Pandemie anerkennt, ohne sie zum Thema des Films zu machen.
Quentin Dupieuxs äußerst unterhaltsamer „Incredible But True“ verfolgt einen schrägen Ansatz, indem er sich nicht direkt auf die Beschränkungen des Coronavirus bezieht, sondern unübersehbare Parallelen zu einem Film schafft, der im Wesentlichen ein Zeitreisefilm ist. Es ist witzig und unaufdringlich tiefgründig und steht in deutlichem Kontrast zu Bertrand Bonellos chaotisch nachsichtigem „Coma“, das eine Nabelschau von grenzwertig unverständlicher Natur beinhaltet. Es erhielt einen wild geteilten Empfang, dargestellt durch den Typen neben mir, der halbwegs verärgert davonging, und der Typ vor mir, der auf die Füße sprang und „Bravo!“ rief. Am Ende.
Zwei unterschwellige asiatische Titel entfalten sich auch in Coronavirus-Zeiten, ohne von Pandemie-Paranoia überwältigt zu werden. Hong Sangsoos „The Novelist’s Film“ ist ein weiteres trügerisch luftiges Stück Leben des koreanischen Regisseurs, das ihm – einem beständigen Preisträger der Berlinale – den zweiten Grand Prix-Preis einbrachte. Die Vorstellung, dass dies den Jurypräsidenten des Festivals, M. Night Shyamalan, de facto zu einem Mitglied von „The Hong Hive“ macht, ist bemerkenswert für jeden, der mit ihren jeweiligen Werken vertraut ist – die Art von Gedanken, die man sich zu denken gibt, wenn man sie hat Nase geputzt und erhaben wegschauen wollen.
Das treffend benannte japanische Juwel „Small, Slow But Steady“ enthielt ebenfalls Masken, obwohl wir hier die Schwierigkeiten bemerken, die sie für Lippenleser darstellen. Die wunderschön fesselnde Geschichte einer gehörlosen Boxerin, deren geliebtes Fitnessstudio vor der Schließung steht, Sho Miyakes bewegendes Drama ist in jeder Hinsicht klein, außer emotional. Seine bittersüße Hauptidee über einen wertvollen Ort, der seinem bevorstehenden Ende entgegensieht, ist in Carla Simóns „Alcarràs“ in größeren, mutigeren Farben geschrieben, das mit dem Goldenen Bären, der höchsten Auszeichnung des Festivals, ausgezeichnet wurde.
„Alcarràs“ folgt dem windigen, sonnenverwöhnten Schicksal der Familie Solé aus der Region Katalonien in Spanien während der letzten Ernte der Pfirsichplantage der Familie vor dem Abriss. Es ist ein reizender, plaudernder, lebenserfüllter Titel mit unwiderstehlichen Darbietungen seiner Laien-Ensemble-Besetzung für alle Altersgruppen. Sein Triumph hier macht es nach Cannes und Venedig zum dritten Mal in Folge, dass die höchste Auszeichnung eines großen europäischen Festivals für ihren zweiten Film an eine Frau geht.
Aber trotz all seines Sonnenscheins und seiner traurigen, mutigen Weisheit wurde „Alcarràs“ für mich von einem viel winterlicheren Wettbewerbstitel übertroffen. Ulrich Seidls „Rimini“ ist ein kompromissloses, kühl provozierendes Drama, das leider keine Preise abräumt. Aber dass sein Star Michael Thomas, der in einer italienischen Strandstadt außerhalb der Saison einen abgewrackten Clubsänger spielt, nicht ausdrücklich erkannt wurde, ist mehr oder weniger ein Verbrechen. Mein anderer Wettbewerbsfavorit, Natalia López Gallardos formal beeindruckender Spielfilmdebüt „Robe of Gems“, gewann den Jurypreis. Aber ansonsten landeten viele der interessanteren Titel, wie es seit der Einführung der Encounters-Seitenleiste im Jahr 2020 der Fall war, eher dort als im Hauptwettbewerb.
Insbesondere Jöns Jönssons „Axiom“ ist eine kluge Untersuchung der Psychologie eines zwanghaften Lügners. Und das Beste von allem – in dieser Sektion, diesem Festival und, für mich, in diesem Jahr bisher – gibt es Cyril Schäublins absolut einzigartigen „Unrest“, einen Film, der trotzig nicht kategorisiert werden kann, es sei denn, Sie haben eine Kategorie, die „verspielte, jenseitige Geschichten der Uhrmacherei“ zugeordnet ist und Anarchismus in der Schweiz der 1870er Jahre.“
„Unrest“ war der bewegendste Film, den ich in Berlin gesehen habe, zumindest bis ich mich physisch in das Planetarium der Stadt begeben habe, um Liz Rosenfelds experimentellen „White Sands Crystal Foxes“ anzusehen. Der Film selbst ist ein ziemlich ärgerlich überschriebenes Kunstwerk, aber die Erfahrung war fast transzendent. Unter einer gewölbten 360-Grad-Projektion liegend, schwebend inmitten kaskadierender Bilder, fühlte ich mich angenehm körperlos. Später fiel mir auf, wie seltsam es war, sich nach einer Rückkehr in die reale Welt zu sehnen, nur um ihr besser wieder zu entfliehen.
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Zu diesem Zweck – Eskapismus – war die grandiose Retrospektive der diesjährigen Berlinale zweifellos die grandiose Retrospektive mit dem Titel „No Angels“, die 27 Hollywood-Komödien aus dem Goldenen Zeitalter mit Mae West, Rosalind Russell oder Carole Lombard umfasste. Die großen Hits der Schauspielerinnen wie „My Little Chickadee“, „His Girl Friday“ und „My Man Godfrey“ waren dabei, aber diese Explosion einer Auswahl brachte auch weniger bekannte, aber nicht weniger entzückende Titel zu Tage. „Four’s a Crowd“ mit Russell an der Seite von Errol Flynn und Olivia de Havilland ist einer davon, ebenso wie „Lady By Choice“, in dem Lombard ein Showgirl spielt, das ein gutes Mädchen wird und eine falsche Mutter als Werbegag „adoptiert“. Der Rückzug in eine Screwball-Comedy-Welt ist vielleicht der beste Weg, um die Ärgernisse der echten Welt wegzumassieren.
Andererseits, als die Tage vergingen und die Treppen länger zu werden schienen, wurde klar, dass die Irritationen des wirklichen Lebens ein wesentlicher Bestandteil dessen sind, was wir während der Remote-Ausgabe des letzten Jahres so schmerzlich vermisst haben. Bei einer öffentlichen Vorführung fing ein Paar an, laut mit einer Platzanweiserin zu streiten, als sie ihnen sagte, sie müssten einen freien Platz zwischen sich lassen. Ich habe mich über sie geärgert. Und dann erinnerte ich mich, dass ich mich darüber freute, dass mich andere physische Menschen ärgern konnten, die an einem physischen Ort physisch lästig waren. „Schluck es auf“, wollte ich ihnen sagen. Aber auch „Ich liebe dich“.