Jede neue Generation von Künstlern, Kuratoren und Kritikern scheint das Bedürfnis zu haben, die Malerei zu verteidigen. Es macht Sinn: Malen auf Leinwand, gut für wenig anderes, ist im Grunde gleichbedeutend mit großer A-Kunst. Die Malerei steht für die Engel und Dämonen der Kunst, ihren Optimismus und ihre Aufmerksamkeit, ihre Arroganz und ihren Solipsismus.
„The Painter’s New Tools“ bei Nahmad Contemporary in Manhattan zeigt, wie weit zeitgenössische Künstler neue Medien vorangetrieben haben, ohne die Sicherheit dessen zu verlassen, was als Kunst lesbar ist. Die Kuratoren Eleanor Cayre und Dean Kissick, die 57 Werke von 31 Schöpfern zusammentragen, behaupten, dass neue Technologien unwiderruflich neu definiert haben, was es bedeutet, zu malen, und behaupten gleichzeitig, dass Malerei durch das Streben nach schönen Dingen definiert bleibt. Die Show versucht, beide Ideen gleichzeitig zu vertreten und verkörpert die kryptische, ambivalente Umarmung der Tradition, vom Cottagecore-Farmleben bis zum Katholizismus, praktiziert von einer Untergruppe von meist jungen, sehr Online-Kulturati. Auf dem Spiel steht die Malerei – und die konservative Lust an der alten Avantgarde.
Es ist wahr, dass Malerei Technologie ist und immer war. So wie die Erfindung der Ölfarbe, die langsamer trocknet als Tempera, den Künstlern eine revolutionäre Palette neuer Effekte bescherte, brachten das Objektiv und der Transistor – Fotografie, Video und Computergrafik – tiefgreifende, irreversible Veränderungen in der Arbeitsweise von Künstlern und uns allen , die Welt sehen.
Die schwebenden Pinselstriche und die schwindelerregende Schichtung einer smaragdgrünen Laura-Owens-Leinwand verherrlichen Photoshop-Techniken. Ei Arakawas Hommage an Owens hängt in der Nähe: ein Bild eines ihrer Gemälde, das auf einem Wandteppich aus LEDs mit niedriger Auflösung angezeigt wird. In einer hochmodernen anatomischen Studie der Videokünstlerin Kate Cooper fährt die Kamera Schicht für Schicht durch ein digitales Modell eines menschlichen Körpers, wie Leonardo, der mit einem MRT-Gerät spielt.
Cayre und Kissick machen einen gründlichen Überblick über die anhaltende Identitätskrise der Malerei, unabhängig davon, ob die Künstler selbst das Gefühl haben, zu malen oder nicht. Die Ausstellung ist konzeptionell auf der einen Seite von Künstlern gebunden, die von der konventionellen Malerei in das digitale Territorium aufbrechen, und auf der anderen Seite von Künstlern, die Animationen und unbemalte Objekte erstellen, die in die Gesellschaft der Malerei eingeschleust werden, weil sie an die Wand gehen.
Der Maler Julien Nguyen, der dafür bekannt ist, Renaissance-Methoden auf zeitgenössische Idiome anzuwenden, repräsentiert diejenigen, die neue Werkzeuge ausprobieren. Sein digitales Porträt eines sympathischen Jugendlichen, der in der Wanne raucht, verzichtet auf Pinsel und Palette für ein iPad. Die Striche, die Nguyen auf den Bildschirm legt, erscheinen auf einem Monitor, der vorne und in der Mitte installiert ist, als ein Gewirr von öligen, farbähnlichen Markierungen.
Für letzteres gibt es Jordan Wolfsons verpixelten Druck von Dorothy und ihren Gefährten in Oz. Der Outdoor-Rahmen mit Traufen ist aggressiv mit Herzen, Kreuzen und einem Davidstern-Anhänger sowie hingebungsvollen Klappentexten wie „Surrender to God“ gestaltet. Die Worte „GOD IS GOD IS GOD IS GOD IS …“ kriechen um die Grenze. Obwohl keine Farbe verwendet wird, kombiniert das Stück ohne Titel mehrere der konventionellen Themen des Mediums: christliche Hagiographie; Hommage an Vorgänger (nämlich Ashley Bickerton, eine führende Assemblage-Künstlerin der 80er Jahre); und genug logorrhoisches Selbstvertrauen, um einen abstrakten Expressionisten erröten zu lassen.
Kissick ist ein New Yorker Kritiker, dessen regelmäßige Kolumne im Spike Art Magazine wie ein Stein zwischen der Klassik und der Ultramoderne hin- und herspringt – von der Betrachtung eines Fragonard bis hin zum Nachdenken über NFTs (non-fungible tokens), ohne jemals das Frick Madison zu verlassen. Cayre ist ein unabhängiger Kunstberater, der sich auf die 1950er bis heute spezialisiert hat. Beide interessieren sich für das Zeitgenössische – was es bedeutet zu leben jetztnicht dann.
Neues ist nicht immer Fortschritt. „Imago“ (2022) von Ezra Miller – einem Künstler, Art Director und Webentwickler – ist eine verwaschene Abstraktion, die sich in Echtzeit auf einem Raster aus vier Monitoren entwickelt und aussieht, als würde man mit ausgeschalteten Scheibenwischern in einen regnerischen Monet fahren. Ein ablenkendes schwarzes Kreuz verläuft durch die Mitte des Bildes, wo sich die Bildschirme treffen. Aus der Nähe kommen keine Pinselstriche zum Vorschein, sondern das schwarze Gaffer-Tape, das die Nähte verdeckt. Geben Sie mir einen staubigen Rothko wegen eines Experiments mit neuen Medien, dessen physische Präsenz zusammengeschlagen und widerwillig erscheint.
Apropos Rothko: „Disc Buddie #4448“, ein NFT von Tojiba CPU Corp, manifestiert sich auf einem quadratischen Bildschirm: ein grober, digitaler Cartoon einer dicken Diskette mit weißen Händen und Tauben für Schuhe, die Worte „Rothko Maker 2“ darauf sein Gesicht. NFT-Projekte wie dieses, die Tausende einzigartiger Bilder durch die Kombination von Eigenschaften erzeugen, treiben die Idee voran, dass Kunst einfach und wiederholbar sein sollte. Lassen Sie die alte Garde über schlechten Geschmack jammern. Dies ist „das neue Gemälde“, da selbst hässliche Gemälde gute Investitionen sein können.
Schönheit ist natürlich immer noch möglich – die Ausstellung umfasst berauschende, wandgewinnende Abstraktionen von Seth Price, der malerische Gesten aus industriellen Prozessen herauspresst; Wade Guyton, der malt, indem er Tintenstrahldrucker missbraucht; oder zarte Moiré-Oberflächen von Jacqueline Humphries oder Anicka Yi. Diese gehören zu den klügsten Aktualisierungen der Tendenz der Malerei, mit sich selbst zu sprechen und die ganze Welt zu ignorieren. Der Ton hier ist andächtig, nicht ikonoklastisch.
Die seltsame Dringlichkeit des Zeitalters verdichtet sich in einem Bild von Jessica Wilson aus dem Jahr 2022, „Perfectly Clear“ – eine nahezu fotorealistische 3-D-Darstellung einer Hand, die einen Rakel über eine schaumige Fensterscheibe zieht. Es ist ein flacher UV-Druck auf Dibond und eines der am wenigsten malerischen Objekte in der Ausstellung. Doch seine herbe Komposition, unser Blick von außen, die funkelnde Taktilität der Klinge, die die Seife wegkratzt, erinnern uns daran, dass das Medium keine Rolle spielt. Was zählt, ist der grundlegende Drang der Kunst, die Pflicht des Lebens zu überschreiten.
Die neuen Werkzeuge des Malers
Bis 24. September. Nahmad Contemporary, 980 Madison Ave., Manhattan, nahmadcontemporary.com.