Als ich vor einigen Jahren die Pianistin Mitsuko Uchida interviewte, machte sie sich über die Idee einer jugendlichen Stardirigentin lustig: „Wollen Sie sich von einem genialen zwanzigjährigen Herzchirurgen operieren lassen? Willst du ins Theater gehen und einen Teenager King Lear spielen sehen?“ Uchidas Punkt war, dass die Praktizierenden des Armschwingerberufs dazu neigen, mit dem Alter besser und klüger zu werden. Orchester registrieren nicht nur die Gesten, die ein Dirigent vor ihnen macht, sondern auch die Geschichte des Musizierens, die diese Gesten widerspiegeln. Herbert Blomstedt, 95 Jahre alt, kann ein abgestumpftes Spitzenensemble mit einer sanften Handbewegung verzaubern. Es ist mehr als eine Frage der persönlichen Mystik: Es ist das Vertrauen in eine kumulative Aufzeichnung kollektiver Arbeit.
Allerdings ist Dirigieren nicht nur ein Spiel für alte Leute. Willem Mengelberg, eine bedeutende Persönlichkeit der Musik des frühen 20. Jahrhunderts, übernahm im Alter von 24 Jahren die Leitung des Concertgebouw Orchestra in Amsterdam. Zubin Mehta und Gustavo Dudamel übernahmen beide das Ruder des LA Philharmonic, als sie in ihren Zwanzigern waren. Das City of Birmingham Symphony unterstützte die Karrieren von Simon Rattle, Andris Nelsons und Mirga Gražinytė-Tyla. Jetzt kommt Klaus Mäkelä, ein 26-jähriger Finne, der so schnell wie kein anderer in der Geschichte aufs Podest geschossen ist. Er leitet das Oslo Philharmonic und das Orchestre de Paris, wird 2027 Chefdirigent des Concertgebouw und wird von mehreren amerikanischen Orchestern beäugt. Anfang Dezember gab er sein Debüt bei den New York Philharmonic.
Mit hohen Wangenknochen und glatt gestyltem Haar sieht Mäkelä aus wie der schneidige europäische Maestro, besonders wenn Sie nach einem Generation Z-Neustart von Herbert von Karajan suchen. Vielleicht unter Berücksichtigung dieser Ähnlichkeit nahm das Decca-Label Mäkelä unter Vertrag und veröffentlichte Anfang des Jahres seine erste Aufnahme: einen ganzen Zyklus der Sibelius-Symphonien mit den Osloer Philharmonikern. Die Vorstellung, dass jemand Mitte Zwanzig diese komplexen und schwer fassbaren Partituren gemeistert haben könnte, ist auf den ersten Blick unwahrscheinlich, und Mäkelä zeigt trotz seines offensichtlichen Talents auf fast jeder Seite seine Unreife.
Nehmen Sie die Sibelius-Fünfte – ein Wunderwerk der kontinuierlichen Transformation, in der kolossale Themen aus atmosphärischen Texturen entstehen. Mäkelä hat ein ausgezeichnetes Ohr für Klangfülle, besonders im Streicherbereich. (Er begann als Cellist.) Allerlei faszinierende Details tauchen auf: zum Beispiel das reglementierte Hummelgeschehen, das das desolate Fagottsolo im ersten Satz untermauert. Klarheit geht jedoch oft zu Lasten des Momentums. Nicht wenige Passagen klingen wie jene Momente in der Probe, in denen ein Dirigent die Spieler auffordert, langsamer zu werden, damit Nuancen überprüft werden können. Die Bewegung beschleunigt sich nie in einen vollen, donnernden Flug. In der gesamten Symphonie gibt es zu viel Streicher-Legato, zu wenig Terrassierung der Dynamik und ein unbeholfenes Verständnis für strukturelle Übergänge. Dieselbe Kritik gilt für den größten Teil des restlichen Zyklus, mit der bemerkenswerten Ausnahme der Vierten Symphonie, die aus düsterem Stillstand eine Tugend macht.
Ich vermute, dass Mäkelä in späteren Jahren dieses verfrühte Debüt in Verlegenheit bringen wird. Jeder in seinem Alter wäre ähnlich vom Weg abgekommen; Die meisten Dirigenten machen ihre Fehler außerhalb des internationalen Lichts. Karajan beispielsweise verbrachte viele Jahre in den deutschen Städten Ulm und Aachen, bevor er nach Berlin zog. Erst nach wiederholter Anstrengung kann ein Dirigent entdecken, welche Entscheidungen die Aufmerksamkeit des Publikums fesseln und welche es langweilen. Hoffen wir, dass Mäkelä die seltsam kultische Aura ignorieren kann, die ihn umgibt, und aus seinen unvermeidlichen falschen Wendungen lernt. Sonst wird er in die Riege der fotogenen Wunderkinder der Vergangenheit eintauchen.
Mäkelä hat eine große Gabe: Er scheint den Respekt fast jedes Orchesters zu gewinnen, mit dem er zusammenarbeitet. Das New York Philharmonic, das seit jeher junge, hochkarätige Dirigenten missachtet, erwies sich als keine Ausnahme. Ich hatte von Anfang an den Eindruck, dass die Spieler den schlanken Finnen mochten und aufmerksam auf ihn reagierten. Selten in den letzten Jahren klangen die Saiten so warm und satt wie unter Mäkelä, der trotz einiger Gymnastik auf dem Podium einen knackigen Beat liefert.
Bei der Matinée am Freitagmorgen erzielte Mäkelä gemischte Ergebnisse. Jimmy López Bellidos „Perú Negro“, eine auf afro-peruanischen Traditionen basierende Tondichtung, war lebendig, aber einfarbig. Schostakowitschs Sechste Symphonie mit ihrem tragischen Eröffnungssatz und zwei ironischen Scherzos zeigte einige der gleichen Probleme wie Mäkeläs Sibelius: Die Atmosphäre verschluckte den Schwung, und das Finale verfehlte die erforderliche Hysterie. Tschaikowskys „Pathétique“ erhielt jedoch eine Aufführung von außergewöhnlicher Geschlossenheit, mit organisch fließenden Tempi und fein kontrollierten Balancen. (Die Philharmonie scheint die akustischen Mängel, die den Geffen-Saal seit seiner Renovierung plagen, gut auszugleichen.) Auch wenn es an hoher Leidenschaft mangelte, hatte die Lesung doch beachtliche Wirkung, vor allem im großen klagenden Adagio.
Mäkelä hat in der „Pathétique“ eine unglückliche Wahl getroffen. Nach der bombastischen Coda des dritten Satzes, die geradezu nach Applaus schreit, stürzte er sich direkt ins Adagio, mit dem Ergebnis, dass die ersten paar Takte vom Lärm des Publikums übertönt wurden. Der Brauch, in den Satzpausen zu schweigen, setzte sich erst nach Tschaikowskys Tod durch; Der Komponist hätte nach dem dritten Satz mit Klatschen gerechnet, und ich hatte immer das Gefühl, dass er vorhatte, diesen Jubel mit den schluchzenden ersten Takten des Adagios zu zerstreuen. Wenn er keine Pause gewollt hätte, hätte er das angedeutet. Mäkelä ist kaum der einzige Dirigent, der in diesem Moment eine irritierende Form der Massenkontrolle versucht; er sollte die Anmaßung ablegen und der Musik vertrauen.
Im November feierte das New Jersey Symphony sein hundertjähriges Bestehen mit einem Galakonzert in der Prudential Hall im New Jersey Performing Arts Center in Newark – einem Veranstaltungsort, der 1997 eröffnet wurde und sich sofort als der Avery Fisher Hall, wie Geffen damals hieß, als überlegen erwies. Die New Jersey Symphony steht im Schatten der New York Philharmonic, zeigt aber seit langem einen abenteuerlichen, progressiven Geist. Der dort von 1968 bis 1976 tätige Dirigent Henry Lewis war der erste schwarze Musikdirektor eines großen amerikanischen Orchesters. Das Ensemble wird jetzt von Xian Zhang geleitet, einer 49-jährigen in China geborenen Dirigentin, die zum ersten Mal große Aufmerksamkeit erregte, als sie in der Ära Lorin Maazel eine assoziierte Position bei den Philharmonikern innehatte.
Klein, aber dynamisch, ist Zhang ein makelloser Podiumstechniker, der zu einem Spiel von ungewöhnlicher Vitalität anregt. In der letzten Saison hat sie im LA Phil die elektrisierendste Darbietung von Beethovens Siebter moderiert, die ich je gehört habe. Bei der Newark-Gala entlockte sie Ginasteras Four Dances aus „Estancia“ eine überschwänglich gewalttätige Version, in der Mitglieder des New Jersey Ballet gemeinsam auftraten. Zhang ist auch ein starker Befürworter zeitgenössischer Partituren, wobei er die von nicht-weißen und weiblichen Komponisten betont. Am wichtigsten ist vielleicht, dass sie eine einfühlsame Musikerin ist, die mehr zwischen den Spielern vermittelt, als sie ihnen diktiert. Hauptattraktion der Gala war Yo-Yo Ma, der Dvořáks Cellokonzert mit gewohnter Souveränität und Spontaneität darbot. Zhang folgte Mas freischweifendem, nachdenklichem Ansatz nicht nur, sondern verinnerlichte ihn auch, so dass es keine offensichtliche Spannung zwischen Orchester und Solist gab.
Obwohl Mäkelä mehr Aufmerksamkeit erfährt, scheint mir Zhang die wahrscheinlichere Zukunft der Kunst zu sein. Wir brauchen nicht noch mehr umherziehende Maestros, die in mehreren Städten hohe Gehälter beziehen und ihr vermeintliches Genie im Handgepäck tragen. Wir brauchen mehr Direktorenposten wie Marin Alsop beim Baltimore Symphony oder Osmo Vänskä beim Minnesota Orchestra – solche, bei denen sich ein Dirigent auf eine einzige Stadt konzentriert und Wurzeln schlägt. So entfaltete sich die amerikanische Orchesterkultur vor Jet-Reisen. George Szell dirigierte während seiner langen Amtszeit beim Cleveland Orchestra bis zu drei Viertel seiner Konzerte in einer bestimmten Saison. Die von ihm gepflegte Kultur der lyrischen Perfektion bleibt sein Denkmal. ♦