Hollywood bringt im Multiplex exemplarische Werke der kühnen Moderne hervor. Einige von ihnen posaunen mutig die ehrgeizige Kunstfertigkeit ihrer Filmemacher (denken Sie an David Lynch), aber andere kommen (und gehen oft) viel bescheidener an. Eines dieser geheimen Meisterwerke, Alan Rudolphs romantisches Melodram „Remember My Name“ von 1978, erreichte nie den Mainstream. Trotz einer Besetzung mit Geraldine Chaplin, Anthony Perkins, Alfre Woodard und Jeff Goldblum wurde es spärlich veröffentlicht und mit negativen Kritiken übersät; Es wird selten gezeigt, wurde anscheinend nicht auf VHS oder DVD veröffentlicht und ist aufgrund der Launen des Marktes weitgehend unsichtbar geblieben. Dennoch ist es einer der ungewöhnlichsten und originellsten Filme aus dem Hollywood der siebziger Jahre, einem Jahrzehnt der Innovation und Erneuerung. Es ist eine doppelte Darstellung der quasi-musikalischen Kraft filmischer Bilder und der bildhaften Autorität großartiger Musik im Film. Und jetzt wird es auf Prime Video (für Abonnenten) und auf Tubi (kostenlos, mit Werbung) gestreamt.
Rudolph, Jahrgang 1943, wuchs als Hollywood-Insider auf (sein Vater, Oscar Rudolph, war langjähriger Regieassistent bei Filmen und ein bedeutender Regisseur von Fernsehserien wie „Batman“ und „The Brady Bunch“) und arbeitete als Assistent an Robert Altman bei „The Long Goodbye“ und „Nashville“. Altman, der „Remember My Name“ produzierte, war ein Mythenzerstörer, der die Türen der Hollywood-Traditionen für die scharfen Winde der Realität öffnete, während Rudolph (der neunundsiebzig Jahre alt ist) ein Verschönerer ist, der dem gewöhnlichen Leben die Erhabenheit der filmischen Mythologie verleiht und die raffinierten Stile, die dazu gehören. „Remember My Name“ ist ein unaufdringlicher, verschlungener Film Noir in kühl-natürlichen Farben, ein Drama aus krassen Motiven, die zart verschlungene Oberflächen entstehen lassen. Um es nicht zu sehr auf den Punkt zu bringen, es ist die Geschichte eines Stalkers – wenn auch einer ungewöhnlich sympathischen.
Chaplin spielt Emily, die gerade aus einer zwölfjährigen Haftstrafe entlassen wurde (ich sage nicht, wofür) und nach Los Angeles reist, um einen Bauarbeiter namens Neil Curry (Anthony Perkins) aufzuspüren. Sie waren vor ihrer Inhaftierung in einer Beziehung und Neil hat keine Ahnung, dass sie freigelassen wurde. Emilys Versuch, sich wieder mit ihm zu verbinden, ist eine komplizierte, DIY-Detektiv-ähnliche Operation, die mit Streichanrufen beginnt, zu geschickter Überwachung übergeht und zu anonymem Vandalismus, heimlicher Belästigung, einschüchterndem Eindringen, einer Kapriole von Autoaggression und einem Hausfriedensbruch aufsteigt Baustelle, auf der Neil arbeitet.
Diese bedrohlichen Manöver werden ohne wirkliche Bedrohung realisiert – sie sind nur Emilys Versuch, die Barriere von Neils Atmosphäre zu durchbrechen, um wieder darin einzutauchen. Ihre Einmischungen werden mit einer gleitenden Anmut gefilmt, die das Pathos und die Melancholie hervorhebt, die ihnen zugrunde liegen, als Emily entdeckt, dass Neil jetzt mit einer anderen Frau verheiratet ist, Barbara (Berry Berenson). Mit einem kühlen, klingenähnlichen Auftreten vermittelt Chaplins Emily eine stille, verwüstete Majestät, während sie die Last ihrer Erinnerung und die mächtige Kraft ihres zielstrebigen Ziels mit einer stählernen, aber balletischen Leichtigkeit trägt. Rudolph spart nicht mit dem passenden Schmerz von Barbara, deren Leben nicht weniger durch Emilys drohende, lauernde Präsenz und die Bruchlinien in ihrer Ehe, die sie ans Licht bringt, gestört wird. Perkins zeichnet sich wie immer durch Aufruhr in Ruhe aus; Er gibt Neil die Spannung von Geheimnissen, während er seine Vergangenheit hinter einem Furnier verbirgt, das Emilys Rückkehr zu zerbrechen droht.
In Zusammenarbeit mit dem Kameramann Tak Fujimoto macht Rudolph, der auch das Drehbuch geschrieben hat, aus scheinbar unendlich kleinen Handlungen niederschmetternde Lyrik. Die Bilder beschwören gewaltige innere Welten der Emotionen herauf, die atemberaubende Schönheit rücksichtslosen Verlangens und der akribischen Bewegungen, mit denen es verfolgt wird, wie wenn Emily sich eine Zigarette in einem zerbrochenen Spiegel anzündet und einen stetigen Gang übt – wobei sie ihre Zigarette mit einem hochhält die Tapferkeit eines Filmstars – in einem neuen Paar High Heels, das sie in der Hoffnung gekauft hat, Neil zu gefallen. Die dekorative Virtuosität des Regisseurs wird schon früh ins Rampenlicht gerückt, als Barbara von der Arbeit nach Hause kommt und ins Haus eilt, um ein klingelndes Telefon abzunehmen. Eine einzelne erweiterte Einstellung, gefilmt aus dem Inneren des Hauses und durch Fenster, zeigt die Fensterrahmen, Wände, Türen und Einrichtungsgegenstände, als das Auto in die Einfahrt einfährt und sie hineinstürmt und denkt, dass sie allein ist, was sie tatsächlich ist – außer dass die Die lange abwesende Emily, die den Anruf von einer Telefonzelle aus tätigt, ist virtuell im Haus präsent und stellt sich vor, darin zu sein.
Trotz all seines raffinierten Ästhetizismus skizziert Rudolph scharfsinnig den sozialen Bereich, mit dem Emily konfrontiert ist, das politische Machtgeflecht der Gesellschaft insgesamt. Ihre Art wirkt fremd, verstohlen, unbeholfen; sie raucht hintereinander Zigaretten, löscht eine zwischen den Fingern aus, bevor sie eine andere anzündet, und spricht scheinbar über, an oder sogar gegen andere. Vieles in Emilys Verhalten – eine aggressive Abwehrhaltung, die auf einen tief verwurzelten, ewigen Überlebensmodus hindeutet – erinnert an die Gewalt der Inhaftierung. Sie nimmt einen Job als Kassiererin in einem Discounter an, wo sie eine ergreifende Verbindung zu dem angeschlagenen Manager Mr. Nudd (Jeff Goldblum) hat, der die ehemals Inhaftierten widerwillig anstellt, sie aber nie vergessen lässt, dass sie unter ständiger Überwachung stehen und Verdacht.
Rudolph erkennt auch durch Emilys Erfahrung die Spannungen der Rassenpolitik, die sich in Verbindung mit Klassen- und Geschlechterfragen zeigen. Sie freundet sich schroff und neckisch mit einem Schwarzen namens Pike (Moses Gunn) an, dem Handwerker in dem heruntergekommenen Apartmentkomplex, in dem sie ein baufälliges Zimmer mietet. Um die Wohnung so einzurichten, wie sie es sich wünscht, schimpft und fordert sie ihn mit einer dreisten Leere heraus, die selbst ihre Verletzlichkeit wie einen Plan erscheinen lässt. Da Pike selbst ein harter Mann ist, erkennt das Spiel das Spiel, und ihre Beziehung festigt sich mit einer langsamen, schlangenartigen Kraft, die Emily kontrolliert. Bei der Arbeit im Discounter verspottet und widersetzt sich Emily der kompromisslosen, gewissenhaften stellvertretenden Geschäftsführerin Rita (Alfre Woodard). Rita hat offensichtlich jede Menge Geschwätz von Mr. Nudds Parade sentimentaler Anstellungen (zweifellos alles weiße Frauen) ertragen, und sie wird es Emily nicht nehmen. Doch die stolz verächtliche und kalt rebellische Emily stürmt ungebeugt herein; Der Zusammenstoß ist unvermeidlich und Emily spielt ihn um existenziellen Einsatz.
Obwohl die dramatischen Linien des Films klar und scharf gezeichnet sind, neigen die Bilder zu Undurchsichtigkeit, zu harten und flachen Oberflächen (komprimiert durch Teleobjektive) und zu visuellen Schnörkeln, die so auffällig sind, dass sie vor der Handlung stehen, sogar außerhalb davon. Die Hauptattraktion des Films ist der langsame Zoom, der das Gefühl hat, als würde der Sekundenzeiger einer Uhr auf dem Bildschirm ticken, was Dringlichkeit heraufbeschwört und das Gefühl vermittelt, dass die Zeit mit Gedankengeschwindigkeit vergeht. In solchen Momenten, ob die Dialoge markig oder die Handlung sprachlos ist, wimmelt der Film nur so von dem turbulenten und verworrenen Innenleben seiner Charaktere. Darüber hinaus hat „Remember My Name“ einen Soundtrack, der zu diesem Bilderrepertoire passt: Es hat keine traditionelle Partitur, sondern wird stattdessen durchgehend von Songs unterbrochen, die von der achtzigjährigen Bluessängerin Alberta Hunter (die erst kürzlich ihre Karriere wieder aufgenommen hatte) geschrieben und aufgeführt wurden arbeitet seit zwanzig Jahren als Krankenschwester), begleitet von einer bemerkenswerten Gruppe von Jazzmusikern.
Die Einpfropfung äußerer künstlerischer Elemente, die sowohl zum Stoff des Dramas gehören als auch dieses kommentieren, und die Bildkomposition, die für den Film ebenso dramaturgisch zentral ist wie die Handlung selbst, sind Eckpfeiler der filmischen Moderne. Rudolph ist in der Tat ein Filmemacher der amerikanischen New Wave, der seine Destillationen des klassischen Kinos mit seinen Beobachtungen und seinen persönlichen künstlerischen Leidenschaften verschmilzt – er steht gleichzeitig drinnen und draußen, ohne die Emotionen zu beeinträchtigen oder die Charaktere auszulöschen, sondern sie in zusätzliche Dimensionen auszudehnen. und dies mit dem leidenschaftlichen Gefühl, seine eigenen Freuden zu teilen, der Freude, die Zuschauer hereinzulassen, um zu sehen, was er sieht, zu hören, was er hört. Dieses Gefühl des Erstaunens über den ästhetischen Wirbel kennzeichnet die vielen Höhepunkte seiner Karriere, darunter das Lost Generation-Drama „The Moderns“ und die New-Yorker-rooted „Mrs. Parker and the Vicious Circle“ und das jazzige Melodram „Afterglow“. In „Remember My Name“ erhält Rudolphs persönliche Vision ihre frühe, deutliche Darstellung. ♦