Die Geschichte Hollywoods ist eine Geschichte des Amerikas des 20. Jahrhunderts – genauer gesagt eine Saga von massenproduzierter Fantasy, in der die Leute, die die Filme gemacht haben, und diejenigen, die sie konsumierten, mitspielen. Kein einzelnes Buch kann hoffen, die Geschichte zu erzählen. „Nicht ein halbes Dutzend Männer war jemals in der Lage, die ganze Bildergleichung im Kopf zu behalten“, schrieb F. Scott Fitzgerald im ersten Kapitel seines Hollywood-Romans „The Last Tycoon“. Dennoch bieten diese Bücher, die über sieben Jahrzehnte veröffentlicht wurden, obwohl die Filmindustrie selbst zur Legende wurde, einen prismatischen Blick auf das, was früher als Traumfabrik bezeichnet wurde. Jeder ist ein Teil der Gleichung.
‘Bild’ von Lillian Ross (1952)
Ursprünglich im New Yorker veröffentlicht, demonstrierte Lillian Rosss kühl berichteter, charakterreicher Bericht von John Hustons Adaption von „The Red Badge of Courage“ von 1951, dass die Geschichte, wie ein bestimmter Film entstand (und nicht gemacht) wurde, interessanter sein könnte als der Film selbst. Ross beobachtet die exotischen Lebensformen, die man auf Filmsets, in Studiobüros und auf Hollywood-Partys findet, und ist das Prosa-Äquivalent eines fliegenden Dokumentarfilmers.
Die Filmstars des klassischen Hollywoods waren sowohl heilige Monster als auch Cash Cows. Edgar Morin, französischer Soziologe, ehemaliger Filmemacher (bekannt als Co-Regisseur des Cinema Verité-Klassikers „Chronicle of a Summer“) und virtuoser Stylist, denkt über die Großen und ihre Fans nach: „Hinter dem Star-System steckt nicht nur die ‘ Dummheit” der Fanatiker, die Erfindungslosigkeit der Drehbuchautoren, die kommerzielle Schikane der Produzenten. Da ist das Herz der Welt und es gibt Liebe, eine andere Art von Unsinn, eine andere tiefe Menschlichkeit.“
“The Movie Moguls” von Philip French (1969)
Und hinter den Sternen die Buckelpisten. Die überdimensionalen Figuren, viele von ihnen eingewanderte Juden, die das Hollywood-Studiosystem aufgebaut haben, inszenierten ihre eigene menschliche Komödie hinter der Leinwand. Als einer der weltgewandtsten britischen Filmkritiker erzählt Philip French von ihren Schwächen mit einer Mischung aus Ironie, Zuneigung und Ehrfurcht.
‘Toms, Coons, Mulatten, Mammies und Bucks’
von Donald Bogle (1973)
Donald Bogles bahnbrechende Arbeit hat eine Lücke in der Geschichte Hollywoods geschlossen und einen weiteren Fokus auf die Branche gelegt, indem er alle Arten untersucht, in denen amerikanische Filme rassistische Themen behandelten, sowie die Art und Weise, wie afroamerikanische Schauspieler sich um ein Mindestmaß an Repräsentation bemühten. Das Buch endete ursprünglich mit dem Anbruch der Blaxpoitation; es hat seitdem drei Neuauflagen durchlaufen.
Die Filmkritikerin Molly Haskell bricht die klassischen Hollywood-Filme, die sie liebt, durch eine feministische Linse. Ihre damals umstrittene These argumentierte, dass die freizügigen Filme der 1960er und 1970er Jahre nicht befreiend waren, sondern im Grunde sexistisch und sogar reaktionär waren und die Tradition der starken Frauenstars wie Katharine Hepburn, Joan Crawford und Barbara Stanwyck untergruben, die in den vergangenen Jahrzehnten erfolgreich waren.
‘Namen benennen’ von Victor Navasky (1980)
Die Geschichte der Drehbuchautoren, Regisseure und Schauspieler, die während des Kalten Krieges von der Filmindustrie wegen ihrer tatsächlichen oder eingebildeten kommunistischen Zugehörigkeit gesäubert wurden, gehört zu den fesselndsten Hintergrundgeschichten Hollywoods. Der langjährige Redakteur von The Nation, Victor Navasky, stützt sich stark auf Interviews mit Blacklists und Blacklistern. Das Buch ist ebenso psychologisch akut wie historisch resonant.
“Lulu in Hollywood” von Louise Brooks (1982)
Die in Kansas geborene Louise Brooks war ein jugendliches Broadway-Chormädchen, das ihren größten Erfolg in zwei deutschen Stummfilmen hatte – als Lulu, die weltfremde, selbstzerstörerische Femme fatal in GW Pabsts „Pandora’s Box“ von 1929. Selbst ein bisschen wie eine Lulu, wenn auch so intelligent wie zurückhaltend, absorbierte Brooks in ihrer relativ kurzen Karriere genug von Hollywood, um eine spektakuläre Reihe von Erinnerungen zu schreiben, die in den 1970er Jahren veröffentlicht und danach anthologisiert wurden.
“Easy Riders, Raging Bulls” von Peter Biskind (1998)
Peter Biskinds aufrührerischer, überfüllter, klatschhafter Bericht über Hollywoods letztes goldenes Zeitalter – die 12-jährige Herrschaft der frechen, von der Filmschule gebildeten jungen Regisseure, die als „die Filmgöre“ bekannt sind – zeigt eine Gruppe von Wunderkindern, die so selbstbewusst wie selbstbewusst waren. nachsichtig. Coppola, Lucas, Spielberg, Scorsese und De Palma brachten die Gegenkultur nach Hollywood, aber während sie die Filmindustrie nach ihrem Vorbild neu zu gestalten schienen, schlägt Biskind vor, dass es umgekehrt gewesen sein könnte.
“Hollywoods Zensor” von Thomas Doherty (2007)
Der beispielhafte Sozialhistoriker Thomas Doherty hat das Hollywood der 1930er Jahre immer wieder neu aufgegriffen und das Studiosystem aus verschiedenen Blickwinkeln untersucht. Hier ist sein Thema Joseph I. Breen, der gefürchtete Vollstrecker des Production Codes und angesichts seiner absoluten Macht wohl die einflussreichste Einzelperson in der Filmindustrie von 1934 bis 1954.
„Wir werden immer Casablanca haben“ von Noah Isenberg (2017)
Noah Isenbergs ist nicht das erste Buch über „Casablanca“, aber anlässlich des 75-jährigen Jubiläums des Films veröffentlicht, wird es wahrscheinlich endgültig bleiben – eine geschickte Erkundung der Entstehung, der Rezeption und des Nachlebens der klassischen Hollywood-Produktion.
J. Hoberman ist Autor der Trilogie „Found Illusions“: „An Army of Phantoms: American Movies and the Making of the Cold War“; „Das Traumleben: Filme, Medien und die Mythologie der 60er Jahre“; und „Make My Day: Filmkultur im Zeitalter von Reagan“.
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