MÜNCHEN – Der auffälligste Aspekt des diesjährigen Theatertreffens, dem jährlichen Schaufenster der besten deutschsprachigen Theater, sind die Zahlen.
Um ihre Auswahl zu treffen, sah die Jury des Festivals 2020 285 Produktionen in 60 Städten in Deutschland, Österreich und der Schweiz. Das daraus resultierende Programm, das bis Montag läuft, ist mit 80 Stunden Streaming-Events auf einer digitalen Festivalplattform erschreckend voll.
Als die sieben Juroren im Februar ihre Auswahl bekannt gaben, hoffte das Festival auf persönliche Auftritte. Eine dritte Welle des Coronavirus, die Deutschland in den letzten Monaten erfasst hat, führte jedoch dazu, dass sich das Theatertreffen zum zweiten Mal in Folge auf diese Online-Präsentation beschränkte.
Seit Beginn der Pandemie haben sich deutsche Spielhäuser in einzigartiger Weise proaktiv an soziale Distanzierungsbeschränkungen angepasst. Viele haben neue Theaterformate entwickelt, darunter beeindruckende Live-Produktionen für Einzelzuschauer oder reine Digitalproduktionen, bei denen soziale Medien, Video-Messaging-Apps, Chatrooms und Videospieltechnologien eingesetzt wurden, um Kunst zu schaffen, die unseren Umständen entspricht.
Es war gelegentlich anstrengend, mit dieser kreativen Verbreitung Schritt zu halten. Konsequenter war es inspirierend zu sehen, wie sich das Theater hier – von dem viele solide staatliche Mittel erhalten – geweigert hat, sich hinzulegen und zu sterben.
Ich hatte gehofft, dass das diesjährige Theatertreffen das volle Maß dieses herausfordernden Jahres erreichen würde, und war daher bestürzt, dass die Jury unter den 10 für das Festival ausgewählten Produktionen nur eine „Corona-Show“ auswählte.
Aber was für eine Produktion!
“Zeig mir eine gute Zeit” Das deutsch-britische Theaterkollektiv Gob Squad war eine wilde Aufführung von Mittag bis Mitternacht, die zwischen der leeren Bühne der Berliner Festspiele und verschiedenen Teilnehmern der Außenwelt zischte und das Leben während der Pandemie diskutierte und Man-on-the- Straßeninterviews über Theater und die Einholung künstlerischer Vorschläge von Anrufern. Die Darsteller des Theaters, die durch Berlin fuhren und durch England fuhren, waren über Headsets und Kameras verbunden, was oft den Aspekt eines Theatertelethons hatte.
Trotz der Marathonlaufzeit war es zugänglich und bodenständig. Von Natur aus war es eine Show, in die man nach Belieben ein- und aussteigen konnte; In den 12 Stunden haben mehr als 3.000 Menschen ihre virtuellen Köpfe hineingesteckt.
Während sie über das Leben, das Theater und die Schnittstelle der beiden meditierten, injizierten die Darsteller ihren weitgehend ad libbed Performances (auf Deutsch und Englisch) routinemäßig großzügige Dosen Humor und Albernheit. Ein Beispiel: Zwei Minuten pro Stunde ließen sie alles fallen und kreischten vor Lachen.
Während keine der anderen Produktionen ein ähnliches Maß an aussagekräftiger Reflexion über das Leben während Covid-19 lieferte, beeinflusste die Realität der Pandemie eindeutig die ästhetischen Entscheidungen hinter einigen der anderen gestreamten Produktionen.
Die Theater in der Schweiz waren bereits mit begrenzter Kapazität wiedereröffnet worden, als ein Livestream von Schauspielhaus Zürichs „Es ist nur das Ende der Welt“ erschien. eröffnete letzte Woche das Theatertreffen. Aber der Regisseur Christopher Rüping, ein Stammgast des Festivals, der während der Pandemie ein prominenter Befürworter neuer digitaler Möglichkeiten für das Theater war, beschloss, das Live-Publikum fernzuhalten. Anstatt für eine Handvoll Zuschauer aufzutreten, wandten sich die Schauspieler an Kameras. Das Ergebnis, online gesehen, war ein hybrides Theatererlebnis, das an cinéma vérité erinnert.
Umherziehende Handkameras haben Jean-Luc Lagarces Stück von 1990 über einen schwulen Mann festgehalten, der nach langer Abwesenheit zu seiner entfremdeten Familie zurückkehrt. Am beeindruckendsten war, wie effektiv der Filmstil des Livestreams die Nuancen der feinen Schauspieler der Produktion einfing, darunter Ulrike Krumbiegel als nervöse, gebrochene Matriarchin und Wiebke Mollenhauer und Nils Kahnwald als Paar emotional vernarbter Geschwister.
Dies war auch das zweite Jahr, in dem die Jury des Theatertreffens für ein Quotensystem stimmte, um sicherzustellen, dass mindestens die Hälfte der Produktionen von Frauen oder mehrheitlich weiblichen Kollektiven geleitet wird. (Eine kürzlich von der European Theatre Convention durchgeführte Studie, in der 22 Länder befragt wurden, ergab, dass auf vier Frauen, die im Theater arbeiten, sechs Männer kommen.)
Bei weitem die didaktischste war „NAME HER. Auf der Suche nach Frauen + “ Ein 7½-stündiger Multimedia-Performance-Vortrag unter der Leitung von Marie Schleef über übersehene Frauen im Laufe der Geschichte. Die Schauspielerin Anne Tismer stand vor einem Triptychon mit großen iPhone-ähnlichen Displays mit biografischen Informationen, Diagrammen und Videos und gab eine packende Performance, die, wie heldenhaft sie auch sein mag, unter Videos litt. Es war schwer vorstellbar, dass sie eine völlig andere Unmittelbarkeit und Energie gehabt hätte, wenn sie live erlebt worden wäre.
Eine der bekanntesten Theatermacherinnen in Deutschland und eine häufige Präsenz beim Theatertreffen ist Karin Beier, die das Deutsche Schauspielhaus in Hamburg leitet. In diesem Jahr war ihre Produktion von Rainald Goetz ‘”Empire of Death” eine grausame Anklage gegen Amerikas militärische Abenteuer nach dem 11. September im Ausland und die demokratische Entartung im Inland, und es war mit Sicherheit die schlimmste Sache auf dem Festival. Ich konnte es kaum erwarten, bis der vierstündige Theaterschrei zu Ende war.
Nach so vielen langen Shows war ich auch dankbar für diejenigen, die in etwas mehr als einer Stunde eintrafen. Sie sorgten für ein Gefühl der Intimität, das in den umfangreicheren Produktionen fehlte.
Eine davon war Leonie Böhms interne Monologversion von „Medea *“, der zweiten Produktion des Schauspielhauses Zürich auf dem Festival, die sich am besten als fein abgestimmte psychologische Untersuchung einer der berühmtesten Schurken der Weltliteratur erwies. Darin kämpft die Medea der Schauspielerin Maja Beckmann damit, wie die Tragödie von Euripides sie als Kindermörderin verurteilt und wie die Geschichte sie für immer als Monster beurteilen wird.
In einem großen weißen Zelt inszenierte „Medea *“ eine Atmosphäre der Privatsphäre, die mit dem ungewöhnlichsten Beitrag des Festivals, der fragilen Tanzperformance „Scores That Shaped Our Friendship“, einer körperlich zarten Erkundung der Freundschaft zwischen Lucy Wilke, a Performer mit spinaler Muskelatrophie und Pawel Dudus, ein seltsamer polnischer Künstler und Tänzer.
Trotz des Quotensystems gab es beim diesjährigen Theatertreffen nur ein konventionelles Stück einer Dramatikerin, das auch von einer Frau inszeniert wurde: Anna Gmeyners „Automatenbüfett“.
Wir haben dem Wiener Burgtheater und der Regisseurin Barbara Frey für die Wiederentdeckung dieses Stücks von 1932 durch den österreichisch-jüdischen Gmeyner zu danken. Darin kombiniert sie Volksrealismus mit symbolischen Elementen für eine parabelartige Geschichte des Gemeinwohls, die durch Geiz und sexuelle Abhängigkeit untergraben wird und größtenteils in einem Automatenrestaurant spielt. Der Automat dominiert das triste Set von Freys dramatisch prägnanter und tadellos agierender Produktion.
Es ist mit Abstand die traditionellste Produktion in diesem Theatertreffen und eine der besten. Ab Ende dieses Monats wird es wieder auf der Bühne in Wien zu sehen sein, wo die Theater nach einem halben Jahr Winterschlaf gerade wieder geöffnet haben.