Willkommen auf der T-Liste, einem Newsletter der Herausgeber des T Magazine. Jede Woche teilen wir Dinge, die wir jetzt essen, tragen, hören oder begehren. Hier anmelden um uns jeden Mittwoch in Ihrem Posteingang zu finden. Und Sie können uns jederzeit unter erreichen [email protected].
Buch dies
Ein Rückzugsort aus dem 17. Jahrhundert in der Nähe der Adriaküste
In letzter Zeit scheinen alle angesagtesten Boutique-Hotels Italiens in Apulien zu eröffnen: Palazzo Daniele, Palazzo Luce und ab nächsten Monat Masseria Calderisi. Die Eigentümer des letzteren, Max und Jutta von Braunmühl, waren seit mehr als einem Jahrzehnt auf der Suche nach einer Immobilie in die Region zurückgekehrt, in der die beiden 2011 verheiratet waren. Vor drei Jahren fanden sie ein Bauernhaus aus dem 17. Jahrhundert, das von fast 20 Hektar großen Gärten und Olivenhainen umgeben war, und schnappten es sich schnell. Das Paar, das mit seinen drei lebt Kinder außerhalb Münchens haben in den letzten zwei Jahren das Haupthaus, das einen weitläufigen Innenhof hat und von weiß getünchten Wänden umgeben ist, akribisch zu einem lichtdurchfluteten Hotel umgebaut mit 24 Zimmern und Suiten. Jutta entwarf die meisten Innenräume selbst und mischte handwerkliche Stücke – wie Keramik, Skulpturen und Teller der lokalen Künstlerin Enza Fasano – mit Marokkanische Teppiche, bunt gemusterte Fliesen von der Amalfiküste und Kissen von Pierre Frey. Auf der Speisekarte des Restaurants der Unterkunft, La Corte, stehen regionale Gerichte wie handgemachte Orecchiette-Nudeln, die mit einem traditionellen Ragù serviert werden, und ein Püree aus Saubohnen mit wildem Chicorée, von denen viele Zutaten verwenden, die auf dem Gelände angebaut werden (Paprika) , Auberginen, Zitronen, Rosmarin und mehr). Sie haben auch exklusiven Zugang zum Calderisi Beach, a Privater Streifen der Adria, der nur eine 10-minütige Fahrt mit dem Shuttle entfernt ist. Die Zimmerpreise beginnen bei ca. 407 US-Dollar. masseriacalderisi.com.
Eine Schaumwaffel war das erste, was die britische Modeschreiberin Susie Lau auf ihrer Antrittsreise nach Hongkong, dem Geburtsort ihrer Eltern, als sie 9 Jahre alt war, aß. Bis heute kann sie sich an den süßen Geruch des Standes erinnern als warmes Konfekt mit es ist Markenzeichen Ping-Pong kugelförmige Vorsprünge, wurde ihr in einer Papiertüte übergeben. Im vergangenen November eröffnete Lau zusammen mit ihrem aus der Stadt stammenden Art Director-Freund Yandis Ying Dot Dot, ein Lebensmittelgeschäft im Osten, um das legendäre Street Food in Hongkong zu feiern Das Londoner Viertel Stoke Newington bietet eine Auswahl an Bubble-Waffeln und Bubble-Tees. (Die Tatsache, dass diese Angebote harmonieren Das professionelle Pseudonym der Schriftstellerin – Susie Bubble – passt wunderbar zum Zufall.) Der Imbiss serviert eine optimierte Auswahl an Leckereien mit saisonalen Geschmackskombinationen, darunter eine pikante Seetang-Blasenwaffel mit Thunfischseide, japanischer Kewpie-Mayonnaise und Sesamsamen; ein Schweizer Brötchen, gefüllt mit Oolong-Sahne; und Boba mit „Kaffee-Tee“, einem Hybridgetränk, das in vielen Cafés in Hongkong zu finden ist. Mit Blick auf Nachhaltigkeit arbeitet das Unternehmen mit Lieferanten zusammen, die ethisch einwandfreie Zutaten bevorzugen, und sein charakteristischer Waffelteig ist vegan. Für Lau, die über dem Restaurant ihrer Eltern in Camden aufgewachsen ist, ist Dot Dot eine Chance, stolz einen Teil ihrer Identität und ihres Erbes zu repräsentieren. wearedotdot.com.
Sieh dir das an
Bei Arias eine James Welling Ausstellung
Arias, eine kürzlich eingeführte Marke, die einfache, aber elegante Damenbekleidung anbietet, eröffnete ihr erstes Geschäft in der Innenstadt von Manhattan. Im vergangenen Sommer wurde im Raum eine Ausstellung mit Arbeiten des in New York lebenden Fotografen James Welling gezeigt. Die Ausstellung, die bis Ende Juni zu sehen ist, ist eine Zusammenarbeit zwischen der Künstlerin und der Kreativdirektorin und Gründerin von Arias, Nina Sarin Arias, und besteht aus fünf nie zuvor gesehenen Werken, die aus drei verschiedenen Serien stammen, die in den letzten sieben Jahren entstanden und arrangiert wurden so, dass die Baumwollpopeline-Blusen der Linie, Seidenrüschenkleider und geraffte Mittelröcke ergänzen die Bilder ‘ lebendige Farbtöne, die zu dem führen, was Welling treffend als „Duett“ zwischen Mode und Kunst bezeichnet. Unter den Werken – von denen viele Themen der Bewegung und der menschlichen Form erforschen – sind „2966“ (2018), die die Schattenfigur der Skulptur „Marmorstatue der Aphrodite, die sich hockt und ihre Haare arrangiert“ (aus dem ersten oder zweiten Jahrhundert) zeigt, unterbrochen von Orangen- und Blitzen weiß und „7712“ (2017), die während der Aufführung von Anne Teresa De Keersmaekers „Arbeit / Travail / Arbeid“ im Museum of Modern Art 2017 mehrere Figuren in verschiedenen Tanzphasen überlagert, die durch blasse Spritzer weiter zum Leben erweckt wurden Blau, helles Gelb und sanfte Rosa. Aber vielleicht ist mein Favorit „1116“ (2019), der die eleganten Posen einfängt des Tänzers Silas Riener – in einem auraähnlichen Schimmer von verbranntem Orange, Koralle und Lavendel getaucht -, als er 2015 am Bostoner Institut für zeitgenössische Kunst Merce Cunninghams „Changeling“ (1957) aufführt Die Ausstellung an der Universität von Pittsburgh in den späten 60er und frühen 70er Jahren sowie an Arias ist ein Zeichen der Erneuerung, eine Bestätigung dafür, dass die Stadt und die Künstler darin lebendig und gesund sind – und sich wieder bewegen. “Arias New York x James Welling” ist bis zum 30. Juni in Arias, 466 Broome Street, Manhattan, zu sehen. ariasnewyork.com.
trage das
Ein T-Shirt, das die Stop Asian Hate Bewegung unterstützt
Um den antiasiatischen Rassismus zu bekämpfen, sind vier Kreative aus der ganzen Welt gekommen gemeinsam ein T-Shirt herauszubringen, von dem sie hoffen, dass es das Bewusstsein und die Mittel für die AAPI und die asiatischen Gehörlosengemeinschaften schärft. Die in Berlin lebende koreanisch-amerikanische Künstlerin Christine Sun Kim, die in London lebende indisch-australische Designerin und Art Directorin Ravi Vasvan und die in Washington, DC, ansässige Künstlerin Die chinesisch-amerikanische Illustratorin Meeya Tjiang, die alle taub sind, hat sich mit New York City zusammengetan Das Streetwear-Label Staple Pigeon wurde vom chinesisch-amerikanischen Designer Jeff Staple gegründet, um das verblasste schwarze Baumwoll-Langarmshirt zu entwerfen, das letzte Woche veröffentlicht wurde. Auf der Vorderseite befindet sich eine Illustration von Tjiang von zwei Händen, die in amerikanischer Gebärdensprache „Stop Asian Hate“ signieren. Diese Wörter erstrecken sich auch über die Länge des linken Ärmels, während das rechte das Logo von Staple Pigeon sowie das Symbol für Deaf Power zeigt: <0 /. Die drei Gehörlosen Die an dem Projekt beteiligten Personen wuchsen alle in überwiegend weißen Gehörlosenräumen auf. “Ich war immer zu beschäftigt, taub zu sein”, sagt Kim, die ihre Kindheit in Kalifornien verbracht hat. “Ich habe Jahre gebraucht, um meine anderen vorhandenen Identitäten zu erkennen.” Vasvan wuchs in den frühen 90er Jahren in Australien auf, wo es keine gehörlosen asiatisch-australischen Vorbilder gab. Die Zusammenarbeit mit anderen asiatischen Kreativen habe mir geholfen, ein besseres Verständnis für mein Erbe und meine Identität zu entwickeln. Die Hemden sind also eine Möglichkeit, die Forderung der Künstler nach mehr Repräsentation der asiatischen Gehörlosengemeinschaft zu unterstützen und mit dem Hass und der Gewalt zu kämpfen, die die Asiaten in den USA erfahren Der Erlös aus dem Shirt wird aufgeteilt Unterstützen Sie den AAPI Community Fund und Stoppen Sie #AAPIHATE mit asiatischen Unterzeichnern, $ 50, staplepigeon.com.
Während eines Jahres, in dem internationale Reisen größtenteils imaginär waren, fühlte sich die in Brooklyn lebende Keramikkünstlerin Emily Mullin zu Referenzen von weit entfernten Orten hingezogen: komplizierte handgewebte guatemaltekische Textilien; die reich verzierten Wandgemälde des Bundi-Palastes aus dem 17. Jahrhundert in Rajasthan, Indien; ein Kurzfilm von 1958 über die Côte d’Azur des französischen Filmemachers Agnès Varda; und die innovativen Museumsausstellungen des italienischen Architekten Franco Albini aus der Mitte des Jahrhunderts. Diese Inspirationen kristallisieren sich in ihrer neuesten Einzelausstellung „Get a Room“ heraus, die derzeit in der Jack Hanley Gallery in Manhattan zu sehen ist und 25 handgeformte Gefäße umfasst, die sich durch lebendige Farben, jenseitige Muster und grafische Silhouetten auszeichnen. „Der Eskapismus hat meine Arbeit immer beeinflusst“, sagt Mullin, die für ihre fantastischen modernen Töpfe bekannt ist, die sich auf klassische Formen beziehen, aber natürlich hat sich dieser Impuls während der Pandemie besonders akut angefühlt. “Das Timing der Show ist auch hervorragend”, sagt sie, “weil die Blumen, die ich gerne in die Stücke stecke, das freudige und explosive Auftauchen des Frühlings widerspiegeln.” In der Tat laufen Tulpen aus einer molligen Vase mit gedrehten Griffen, die in glänzendem Chartreuse glasiert sind, über, während Anemonen eine Urne mit hohem Hals mit schwarz-weißen Streifen füllen. Mullins Kreationen bestehen aus einer Vielzahl von Tonen, darunter Porzellan und Steingut. Sie sind skulptural und dennoch handwerklich inspiriert – viele haben aufwändige, schnörkelartige Verzierungen – und werden auf bunten Wandsockeln und Stahltischen präsentiert, die sie in Zusammenarbeit mit ihrem Ehemann hergestellt hat. der Künstler Tony Mullin. Die Stände basierten auf kleinen Papiermaquettes, die das Paar ursprünglich an seinem Esstisch hergestellt hatte – ein Beweis dafür, dass Kreativität auch in der Nähe von zu Hause gefördert werden kann. “Get a Room” ist bis zum 8. Mai in der Jack Hanley Gallery zu sehen. jackhanley.com.
Von T’s Instagram