Boygenius’ „Aufzeichnung“ von Freundschaft und gegenseitiger Besessenheit

Der Titel des ersten Boygenius-Albums in voller Länge ist, wie viele Aspekte der jungen Überlieferung der Band, ein verspielter kleiner Scherz, der sowohl als Augenzwinkern als auch als Provokation fungiert. Die drei Singer-Songwriter, aus denen die Gruppe besteht – Phoebe Bridgers, Julien Baker und Lucy Dacus – sind allesamt erfolgreiche Solo-Indie-Rockstars, die in den letzten zehn Jahren überlappende, aber sehr spezifische Fangemeinden aufgebaut haben. Nachdem sich ihre Wege während einer Tour gekreuzt hatten, veröffentlichten sie 2018 eine zweiundzwanzigminütige, selbstbetitelte gemeinsame EP und waren Gegenstand eines wütenden Hypes. Nachrichtenwoche erklärte sie zur „vielversprechendsten Indie-Rock-Supergruppe des Jahres“. NME nannte das Projekt „erstaunlich“ und vergab fünf Sterne. Die Frauen spielten nur eine Handvoll Tourdaten als Einheit, bevor sie sich trennten, um neue Soloalben aufzunehmen. Dennoch haben sie in den letzten fünf Jahren ständig Anfragen gestellt, ob sie wieder zusammenkommen werden, um eine Platte in voller Länge aufzunehmen. Als sie es schließlich taten, wurde aus der Platte „die Platte“, eine LP, die am Freitag veröffentlicht wurde – ihr Titel eine Pointe über das unmögliche Gewicht, Musik unter solch übergroßer Vorfreude zu machen. Obwohl der Name der Band ein weiterer sardonischer Hinweis auf das überhöhte Lob ist, das jungen männlichen Rockmusikern anhaftet, findet sich boygenius nun in der ironischen Position wieder, das Objekt seiner eigenen Art von schicksalhafter kultureller Salbung zu sein. Wenn Rollender Stein Anfang dieses Jahres die LP angekündigt, taten sie dies, indem sie Bridgers, Baker und Dacus auf das Cover brachten, die in genau denselben Anzügen gestylt waren, die die Mitglieder von Nirvana für ihr legendäres Cover des Magazins 1994 trugen.

Die „Rockband“ als Objekt öffentlicher Faszination wirkt heutzutage etwas archaisch. Musikalische Kollaborationen finden immer noch statt, aber sie manifestieren sich in der Regel als vorübergehende Kollisionen zwischen Solokünstlern. Wir befinden uns im goldenen Zeitalter der Gaststrophe, wohingegen die Supergroup, in der jedes Mitglied das Charisma und die Rechnung einer Frontperson hat, sich ein bisschen wie ein Rückfall anfühlt. Die boygenius-Mitglieder haben in der Vergangenheit alle öffentlich eine Allergie gegen die Kommodifizierung und Kulthaftigkeit zum Ausdruck gebracht, die damit einhergehen, ein Phänomen zu werden. (Der Nirvana-Vergleich geht über die Outfits hinaus weiter.) Das Cover von „The Record“ ist ein Foto der passenden Zahn-Tattoos der drei Musiker, inspiriert von ihrem Song „Bite The Hand“ aus dem Jahr 2018, in dem es darum geht, aufdringliche Fans wegzuschieben. Sie haben sich der Bezeichnung „Supergroup“ widersetzt, obwohl sie anerkennen, dass „Nebenprojekt“ ein zu herabsetzender Begriff für ein Album ist, für dessen Promotion sie sich alle ein ganzes Jahr Zeit genommen haben. Aber sie haben sich auch irgendwie an einen Rock-and-Roll-Mythos der alten Schule angelehnt und spielen spielerische Anspielungen auf berühmte musikalische Team-Ups der Vergangenheit, darunter „Trio“, die Platin-Platte von Dolly Parton, Linda Ronstadt, 1987, und Emmylou Harris. Das Cover ihrer EP ahmt ein Cover eines Albums von Crosby, Stills und Nash aus dem Jahr 1969 nach. Die boygenius-Mitglieder teilen ein generationsübergreifendes Talent, präventive Referenzen zu machen, um Ihnen zu versichern, dass sie es nicht wirklich ernst meinen – oder doch?

Dieses überbestimmte Gefühl einer Band, die kurz vor dem Zusammenbruch steht, und die leicht konsumierbare Erzählung unzertrennlicher BFF-Bandmitglieder könnten verdächtig erscheinen, wenn die Musik, die sie machten, nicht unbestreitbar gut wäre. Die EP war eine ehrgeizige, äußerst eingängige Reihe von Songs. Was ihm an Zusammenhalt fehlte – jede Künstlerin brachte offensichtlich zwei ihrer eigenen Kompositionen mit, um sie der Gruppe zu zeigen und zu erzählen –, machte sie durch glänzende Melodien und bezaubernde lyrische Refrains wett. Ich habe Bridgers nie mehr gemocht, als wenn sie „Me & My Dog“ singt, den verzerrten Knaller, der zum größten Hit der EP geworden ist und das Publikum während der wenigen Live-Shows der Band dazu veranlasst, die selbstironische Zeile zu schreien „Ich will abgemagert sein!“ Bridgers, die achtundzwanzig Jahre alt ist, eisblondes Haar und einen Gesundheits-Gothic-Stil hat, hat die meisten Mainstream-Follower der Boygenius-Mitglieder für ihre schmuddeligen elliptischen Koans über sonnenverbrannte Trauer. Von den dreien ist sie die Einzige, die ein Set bei „Saturday Night Live“ gespielt hat – bei der sie eine E-Gitarre zerschmettert hat, was zu einer Flut von perlmuttartigen Denkstücken führte – oder deren Privatleben in Klatschspalten auseinandergenommen wurde . Und doch, wenn sie mit Boygenius auftritt, klingt sie weniger wie eine Sylvia Plath der Palmen und offener für frische, sogar optimistische Ausdrucksmöglichkeiten.

Die EP markierte auch eine Fokussierung der anderen weiblichen Talente. Baker, eine zierliche, lebhafte 27-jährige Tennesseeerin, die in einer evangelikalen Familie aufgewachsen ist, schreibt Musik mehr aus der Emo/Straight-Edge-Tradition als ihre Bandkollegen. Ihre suchenden, klagenden Songs klingen manchmal wie Predigten, und ihre vibratolose Stimme scheint immer gefährlich nahe daran zu sein, zu brechen, wie bei „Stay Down“, einem Song, den sie auf der EP vorstellte, in dem sie sich mit einer Sünderin vergleicht, die zuvor wiederholt unter Wasser gedrückt wurde gähnend „Also bleibe ich unten!“ Lucy Dacus, eine große, siebenundzwanzigjährige Brünette aus Richmond, Virginia, mit dem cremigen Teint und dem roten Schmollmund eines Sargent-Porträts, hat die einzigartigste Stimme der Gruppe – eine heisere Mezzosopranistin, wie Joni Mitchell Sie hatte trotz ihrer Nikotinsucht ihre obere Lage beibehalten – und ihre Songs neigen dazu, mehr in poetische Anspielungen investiert zu sein. In ihrem besten Track auf der EP, „Salt in the Wound“, singt sie von einem giftigen Liebhaber: „You take and you take / Like silks up my sleeve.“ Dacus bringt einen Sinn für Witz in alle ihre Songs, und mit ihrem Jungengenie schien sie zu versuchen, ihre Bandkollegen mit Wortspielen zu blenden. „You butter me up“, singt sie auf der EP, „and you sit down to eat.“

Im Vergleich dazu klingt die LP wie das Werk einer Gruppe, die neu darauf besteht, dass sie eine vereinte musikalische Einheit sind. Aufmerksame Fans werden immer noch leicht erkennen können, welche Songs „Phoebe-Songs“ oder „Julien-Songs“ oder „Lucy-Songs“ sind. Aber es gibt eine neue Ebene der Intertextualität zwischen den drei Sängern, deren herzliche Großzügigkeit und spürbarer Eifer, zusammen zu sein, die Möglichkeit zu mildern scheinen, dass eine Stimme dominant wird. Der Eröffnungstrack „Without You Without Them“ ist ein sanftes, einminütiges A-cappella-Liedchen, das leicht eine gefundene Aufnahme von Appalachia sein könnte (oder eine Anspielung auf die Folk-Harmonien auf „Trio“). Die Texte – geschrieben von Dacus, ebenfalls der Erzsentimentalist der Gruppe – drücken die Dankbarkeit dafür aus, dass sie sich getroffen haben. „Danke deinem Vater vor dir, / seiner Mutter vor ihm“, singen sie einstimmig. „Wer wäre ich ohne dich, ohne sie?“ Das ist die Art von rhapsodischer Romantik, die aus den frühen Tagen enger Frauenfreundschaften entspringt, wenn Sie sich nicht sicher sind, ob Sie in die andere Person verliebt sind oder einfach nur in die Tatsache verliebt sind, dass Sie endlich jemanden zum Reden haben. Dass diese sprudelnde Zuneigung trichotom ist, ist Teil des jungengenischen Reizes – drei können eine chaotische Zahl sein, wenn es um Freunde, Liebhaber und Bandkollegen geht, aber bisher ist das Bridgers-, Dacus- und Baker-Dreieck erfrischend gleichseitig. Ihre Musik zu hören bedeutet, stellvertretend an der Freude ihrer leidenschaftlichen Verstrickung teilzuhaben. In einem neuen, fast 15-minütigen Musikvideo mit dem schlichten Titel „The Film“ – unter der Regie der Schauspielerin Kristen Stewart – nimmt die Band an einer Zeitlupen-Dreier-Knutsch-Session teil, während sie mit blauer Farbe bedeckt ist.

Auch auf andere Weise ist „the record“ eine Geschichte der gegenseitigen Offenbarung und der vielen Möglichkeiten, wie sie sich entfalten kann. „$20“, ein gitarrenlastiger Roadtrip-Wanderer, der damit beginnt, dass Baker „It’s a bad idea and I’m all about it“ singt, ist eine andere Art von Americana – Motorräder und unkluge Reisen nach Reno, die rücksichtslosen Bilder der neu Verliebten. Mit „Emily I’m Sorry“, dem nächsten Track, ändert sich die Stimmung erneut, wobei Bridgers die Führung übernimmt und über ihren schwankenden Geisteszustand singt. „Ich bin siebenundzwanzig und weiß nicht, wer ich bin“, singt Bridgers, „aber ich weiß, was ich will.“ Dacus fährt dann mit „True Blue“ vor, einer honigsüßen Ode an einen treuen Begleiter. „Es fühlt sich gut an, so bekannt zu sein“, säuselt sie. Diese ersten vier Tracks – ein Drittel der schmalen zwölfköpfigen Sammlung des Albums – decken die ganze Skala der jungengenialen Emotionen ab. Es gibt willkürliche Drecksackkameradschaft, gemeinsame selbstzerstörerische Tendenzen und von Herzen kommende Zeilen der Hommage, und der Rest der Platte wechselt zwischen diesen Zuständen, während jede der Frauen einspringt, um zu singen. Aber „the record“ betont auch die Fähigkeit der drei Mitglieder, sich zu verschmelzen, wenn ein Song es erfordert, wie bei „Not Strong Enough“, dem radiofreundlichsten Stück auf der LP. Als das Label der Band die Texte des Albums veröffentlichte, schickten sie ein farbcodiertes PDF herum, in dem stand, wer welche Zeile geschrieben hatte. Einige Songs – wie der klebrige langsame Tanz „Revolution 0“, der den Bridgers-Text „I don’t want to die. / Das ist eine Lüge“ oder das kurze, süße „Leonard Cohen“, in dem Dacus singt „Ich bin kein alter Mann, der eine existenzielle Krise hat / in einem buddhistischen Kloster“ – sind überwiegend einfarbig, das Produkt eines einzigen Autors. „Not Strong Enough“ hingegen ist ein Regenbogen auf der Seite. Am Ende des Songs singen alle drei Frauen immer wieder den Refrain „Always an angel, never a god“, und die Wiederholung steigert sich zu einer euphorischen Wirkung. Dies ist kein Ringen um Macht, sondern die Freude, sie zu teilen.

„Not Strong Enough“ klingt nicht wie irgendein anderer Song auf „the record“; wenn überhaupt, klingt es ein bisschen wie die frühe Sheryl Crow, von der die Band den Songtitel geliehen hat. Aber keine zwei Tracks auf dem Album haben viel gemeinsam, und seine Grabbag-Herangehensweise an das Genre fühlt sich an wie ein weiterer Generationsflex. „Satanist“ klingt wie ein Weezer-Bop, während „Revolution 0“ den sanften Ton einer Elliott-Smith-Hommage hat. Das Ethos, das die Band zusammenhält, ist eher das Experimentieren und liebevolle Anspielen als die Loyalität gegenüber einer Vision. Alle drei Musiker wurden erwachsen in der Zeit, in der Playlists durcheinandergewirbelt und Stile zusammengebrochen wurden, als die Grenzen zwischen Rock, Folk, Hip-Hop und Elektronik so fließend wurden, dass die Kategorien an Bedeutung zu verlieren begannen. Indem sie stadiontaugliche, fast dümmlich hakende Jams gegen gedämpfte akustische Meditationen schmiegen, scheinen die boygenius-Mitglieder eine unbelastete Sicht darauf zu haben, was ein „Rockalbum“ sein sollte. Sie könnte jede Art von Band sein, die sie sein wollen, aber das Gefühl, das ihre Musik hervorruft, ein Hin und Her zwischen Clownerie und Offenheit, ist wichtiger als klangliche Konsistenz. Vielleicht ist dieses rastlose Durcheinander, das Priorisieren von Stimmung über Ordnung, Teil dessen, was boygenius zur Band des Augenblicks macht.

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