Als Museen zu ihren Verbündeten werden, bringt Suzanne Lacy ihren Aktivismus nach innen

LOS ANGELES – An einem kalten Tag im vergangenen Dezember sprach die Künstlerin Suzanne Lacy vor ihrem Studio in Santa Monica, Kalifornien, aufgeregt über das kommende Jahr. In Manchester, England, waren bereits Ausstellungen ihrer Arbeiten in der Whitworth Art Gallery und der Manchester Art Gallery geöffnet. Sie freute sich auf ein prestigeträchtiges Stipendium an der University of Manchester im Frühjahr.

Lacy, 76, bereitete sich auch auf „The Medium Is Not the Only Message“ vor, eine Übersicht über ihre Kunst im Queens Museum in New York, die am 13. März eröffnet wird. Die Ausstellung zeigt Arbeiten, die seit den 1970er Jahren in dem entstanden sind, was Lacy einst nannte „New Genre Public Art“ – politisch engagierte Projekte, in die sie Gemeinschaften in diskursive, kollaborative Workshops und Veranstaltungen zu Altersdiskriminierung, sexueller Gewalt, Inhaftierung, Einwanderung und anderen Themen einbezieht, die zu dokumentarischen Fotografien, Videos, Performances, Texten, Tonaufnahmen, Skulpturen oder – oft – alles zusammen. Fortschrittliche Institutionen wie das Queens Museum und das Whitworth konzentrieren ihre Programme jetzt auf die Art von Aktivitäten, die sie seit Jahren durchführt, manchmal als Kunst, manchmal als Aktivismus, manchmal als gesellschaftliches Engagement.

„Besonders seit Covid scheint sich die Welt auf ‚Pflege‘ zu konzentrieren“, sagte Lacy mir im Februar, als ich in ihr Studio zurückkehrte – das hauptsächlich von Holzkisten und Plankisten besetzt war, in denen ihre Kunst aufbewahrt wird. „Sogar Museen sprechen davon, zu fürsorglichen Institutionen zu werden.“

Während unseres gesamten Gesprächs hat sie mich mit Schokoriegeln von Trader Joe’s überhäuft. Unter ihrem freundlichen Auftreten verbirgt sich jedoch eine Härte, die aus jahrelanger Arbeit an der Front des politischen Aktivismus stammt. Sie wurde im ländlichen San Joaquin Valley in Kalifornien als Tochter von Eltern aus der Arbeiterklasse geboren, die sie als „eher ethisch als politisch“ beschreibt. Sie spricht mit Politikern oder Polizisten genauso gut wie mit Teenagern, Bauarbeitern oder älteren Menschen, aber sie hat die unverblümte Ausstrahlung von jemandem, der ungeduldig ist, Dinge zu erledigen.

Dann, am 22. Februar, wurde die Zukunft von Lacys Projekten – tatsächlich die Zukunft einer dieser „fürsorglichen Institutionen“ – in Frage gestellt. Der Guardian berichtete, dass Alistair Hudson, Direktor des Whitworth und Kurator von Lacys dortiger Ausstellung, als Reaktion auf eine Ausstellung der Forschungsgruppe Forensic Architecture, die Hudson beim Manchester International Festival und der Universität in Auftrag gegeben hatte, „aufgefordert wurde, seinen Posten zu verlassen“. von Manchester.

Diese Ausstellung, die letztes Jahr stattfand, enthielt eine Erklärung von Forensic Architecture, in der die Solidarität mit Palästina zum Ausdruck gebracht und die „ethnischen Säuberungen“ durch die israelische Polizei und Siedler zitiert wurden. Das Whitworth ist Teil der University of Manchester; Die Interessenvertretung UK Lawyers for Israel kritisierte die Universität des öffentlichen Sektors dafür, dass sie es versäumt habe, neutral zu bleiben. Zum jetzigen Zeitpunkt bestritt Hudson, von der Universität zum Rücktritt aufgefordert worden zu sein, lehnte es jedoch ab, sich weiter zu dem laufenden Rechtsstreit zu äußern.

„Es ist empörend für eine Universität, die Meinungsfreiheit so eklatant zu missachten“, sagte Lacy über die Situation. Sie bleibt fest in der Unterstützung von Hudson. Zwei Vereinigungen internationaler Museumsführer unterzeichneten offene Briefe an die Universität Manchester, die sich gegen den Versuch aussprachen, den Direktor zu verdrängen.

Lacys Ausstellung im Whitworth soll bis zum 10. April laufen, sie ist jedoch Teil eines laufenden Programms von Projekten, die sich für die Gemeinschaft engagieren und die sie als Zusammenarbeit mit Hudson ansieht. Solange Hudson im Amt bleibt, will sie ihren Verpflichtungen in Manchester weiter nachkommen.

In England verpflichteten sich Künstler, das Whitworth zu boykottieren, wenn Hudson entfernt würde. Als ich sie fragte, ob sie auch erwägen würde, sich dem Boykott anzuschließen, wies sie darauf hin, dass dies nicht so einfach sei, wie den Versand eines Gemäldes abzulehnen. An fast jedem Projekt von Lacy’s ist ein Netzwerk von Mitarbeitern, Co-Autoren, institutionellen und organisatorischen Partnern beteiligt.

„Ich arbeite mit Menschen, deren Leben von meinen Handlungen beeinflusst wird und die Investitionen haben, die meiner Investition entsprechen“, sagte sie. „Also basierte jede Entscheidung, die ich traf, auf nachdenklichen Gesprächen mit meinen Mitarbeitern.“

Jahrzehntelang war Lacys Arbeit außerhalb Kaliforniens wenig bekannt, wo sie lange Zeit eine einflussreiche Pädagogin war, derzeit an der University of Southern California, wo sie Professorin an der Roski School of Art and Design ist. In den letzten Jahren wurde sie jedoch als Pionierin der „sozialen Praxis“ anerkannt – ein Kunstgenre, das, so argumentieren einige, so weit verbreitet ist, dass es fast keine sinnvolle Kategorie mehr darstellt.

Catherine Wood, leitende Kuratorin für internationale Kunst an der Tate Modern in London, sagt, dass als Ergebnis der sozialen und politischen Veränderungen der letzten Jahre „wir zu einem neuen Verständnis von Kunst als Gesellschaft gelangen“. Sie glaubt, dass der Begriff „soziale Praxis“ an Relevanz verlieren wird, da „Videokunst“ oder „Performancekunst“ vom Mainstream absorbiert wurden.

„Ich nenne es einfach Kunst“, sagt Sally Tallant, Geschäftsführerin des Queens Museum, das auf eine ungewöhnlich lange Geschichte des gesellschaftlichen Engagements zurückblicken kann. Tallant wollte eine Ausstellung von Lacy organisieren, seit sie 2019 dem Museum beigetreten ist. „Ich glaube nicht, dass ihr Einfluss an der Ostküste anerkannt wird“, sagt sie. “Es gibt jetzt eine solche Leidenschaft für soziale Praxis, aber sie macht es seit Jahrzehnten.”

Während politischer Aktivismus den Kern ihrer Arbeit bildet, sind Lacys Methoden weniger konfrontativ und antagonistisch, als man von einer Künstlerin annehmen könnte, deren Wurzeln in der radikalen feministischen Performance der 1970er Jahre liegen. (In einer Aufführung von 1973 nagelte sie Eingeweide eines Lamms an ein Sägepferd.)

Lacy ist Brückenbauerin und Vermittlerin. Sie stellt selten ihre eigenen tief verwurzelten Überzeugungen in den Vordergrund ihrer Projekte, sondern schafft sichere Räume, in denen die Stimmen anderer erhoben werden können. „Im aktuellen kulturellen und politischen Kontext ist Protest eher die Strategie der Wahl für Künstler“, sagte Lacy. „Protest ist eine wichtige Strategie, aber es gibt auch andere Möglichkeiten, Veränderungen herbeizuführen.“

Ein wachsender Trend in der sozialen Praxis, sagte Lacy, sei die Verlagerung hin zu Kunstprojekten, die darauf abzielen, die öffentliche Ordnung zu beeinflussen – eine Strategie, die in den vergangenen Jahren wenig diskutiert wurde. In Manchester beispielsweise sind Lacys zwei Ausstellungen Teil eines längeren Programms mit dem Titel „What Kind of City? Ein Handbuch für gesellschaftlichen Wandel.“ Die von Hudson und Lacy angeführte Initiative zielt darauf ab, ihre Frage zu beantworten: „Was für eine Stadt können wir nach Covid gemeinsam gestalten?“ Geplante Workshops zu vier Themen – Jugendagentur, Grenzen, sozialer Zusammenhalt und Arbeitsperspektiven für ältere Frauen – korrelieren mit Themen in Lacys Ausstellungen. Die Einwohner von Manchester werden Lacys Projekte sowohl als Inspiration als auch als Informationsquelle nutzen, um darüber zu sprechen, wie die sozialen Bedingungen in ihren Gemeinden verbessert werden können.

Für ein solches Projekt, „Uncertain Futures“, das derzeit in der Manchester Art Gallery zu sehen ist, befragten Lacy und ein Team von Universitätsforschern 115 einheimische Frauen über 50 – eine Bevölkerungsgruppe, die oft Schwierigkeiten hat, gehört zu werden. Zu den Bedenken, die sie äußerten, gehörten ihre Arbeitsaussichten nach Covid, die öffentliche Ordnung in Bezug auf Ruhestand und Renten, Migration, Wohnen, Behinderung und Isolation.

„Diese älteren Frauen sind oft in der Position, Pflege zu leisten, während sie selbst Pflege benötigen“, sagte Lacy. Bei einem Gipfeltreffen vom 23. bis 26. März will Lacys Team seine Erkenntnisse lokalen Politikern und politischen Entscheidungsträgern präsentieren.

Als Lacy 2020 das Queens Museum besuchte, sah sie die Cultural Food Pantry, die wöchentlich Lebensmittelpakete an 500 Familien verteilt. (Die Initiative begann in den ersten Monaten der Pandemie.) Sie wollte sofort mitmachen. „Es ist so befriedigend, Essen zu verteilen“, sagte sie. „Der direkte Service ist mir sehr wichtig. Das kommt von meinem Hintergrund aus der Arbeiterklasse.“

In ihrer Performance „Freeze Frame: Room for Living Room“ von 1982, einer partizipativen Performance, die in einem gehobenen Möbelhaus inszeniert wurde, diskutierten verschiedene Gruppen von Frauen, von Sexarbeiterinnen über behinderte Frauen bis hin zu Ex-Psychiatriepatientinnen und Schwangeren, ihr Leben und das Thema des Überlebens in Bezug auf ihre oft intersektionalen Identitäten. (Intersektionalität wurde damals nicht genannt, geschweige denn diskutiert.)

Der Künstler wird dieses Projekt „reaktivieren“, indem er Möbel im „versunkenen Wohnzimmer“, einem öffentlichen Raum im Atrium des Queens Museum, installiert. Weibliche Freiwillige aus der Cultural Food Pantry – allesamt Führungspersönlichkeiten in ihren ethnisch unterschiedlichen Gemeinschaften – werden an dem Projekt teilnehmen. Anstatt sie wie 1982 zu Gesprächen einzuladen, fragt Lacy sie, was sie lernen möchten. Bisher wurden Führungsschulungen und Englischunterricht durchgeführt, aber das Projekt befindet sich noch in der Entwicklung.

Seit Lacys erster großer Retrospektive im San Francisco Museum of Modern Art und im Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco, im Jahr 2019, hat sie wie nie zuvor in Museen gearbeitet. In den 1970er und 1980er Jahren, erinnerte sie sich, waren Museen einfach nicht daran interessiert, ihre Arbeit zu unterstützen. „In der Mitte meiner Karriere bin ich auf die Straße gegangen“, sagt sie.

Anne Pasternak, Direktorin des Brooklyn Museum, beauftragte Lacy 2013 mit einem dieser Projekte, „Between the Door and the Street“, als Pasternak Präsident und Kreativdirektor der gemeinnützigen Organisation Creative Time für öffentliche Kunst war. Im Rahmen des Projekts versammelten sich Hunderte von Frauen auf Stufen, um über Einwanderung, Arbeit und Armut und die Auswirkungen dieser Themen auf das Leben von Frauen zu sprechen.

Pasternak sagte, dass Museen solche Projekte jetzt nicht nur von „bahnbrechenden“ Künstlern der sozialen Praxis wie Lacy, Tania Bruguera, Mel Chin und Mierle Laderman Ukeles in Auftrag geben; sie haben auch begonnen, sie zu sammeln und zu archivieren.

Lacy begrüßt diesen neuen Kontext für ihre Arbeit. „Ich brauche Museen in dem Maße, wie ich meine Arbeit in die Kunstgeschichte einbetten möchte“, sagte sie. „Früher dachte ich, wenn über meine Arbeit geschrieben würde, wenn sie dokumentiert wäre, selbst wenn ich sie nur in mein Archiv lege, würde sie überleben. Und ich glaube nicht, dass das mehr der Fall ist.“ Die Fähigkeit von Museen, ihre Arbeiten nicht nur auszustellen, sondern zu speichern, zu konservieren und zu kontextualisieren, wird immer wichtiger.

Für ihr Projekt „Prostitution Notes“ (1974-75) zog Lacy durch die Straßen, Restaurants und Bars der Stadt und „verfolgte“ das Leben von Sexarbeiterinnen. Die kommentierten Zeichnungen, die das wichtigste physische Ergebnis des Projekts waren, lagen drei Jahrzehnte lang zusammengerollt in Lacys Garage, bevor sie sie für die wegweisende feministische Kunstumfrage „WACK!“ einrahmte. 2007 im Museum of Contemporary Art, Los Angeles. Das Stück gelangte dann in die Sammlung des Museums und wird für ihre Ausstellung im Queens Museum ausgeliehen.

Museen stehen heute unter großem inneren und äußeren Reformdruck. „Die Neutralität des Museums ist ein Mythos“, behauptet Hudson, eine Ansicht, die sich weitgehend durchsetzt.

Durch jahrzehntelange unermüdliche Arbeit – Arbeiten, die einst als ungeeignet für Museumsausstellungen galten – weisen Künstler wie Lacy einen Weg nach vorne, damit Kunstinstitutionen engagierter und nützlicher werden und die Fassade der Neutralität aufgeben. Museen, wie Lacys Kunst, können Gefäße für unterschiedliche und manchmal widersprüchliche Geschichten sein.


Das Medium ist nicht die einzige Botschaft

Bis 14. August, Queens Museum, New York City Building, Flushing Meadows Corona Park, Queens; 718-592-9700; queensmuseum.org.

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