4 Kunstgalerie-Shows, die jetzt zu sehen sind


Bis 24. April. Gladstone Gallery, 515 West 24th Street, Manhattan; 212-206-9300, gladstonegallery.com.

Arthur Jafas auffälligste Fähigkeit ist das Bearbeiten; Die Kraft seiner Videos (wie „Liebe ist die Botschaft, die Botschaft ist der Tod“, die im Neuen Museum in der Sendung „Trauer und Beschwerde“ zu sehen sind) beruht auf einem gezackten, poetischen Löten mit hoher und niedriger Auflösung Aufnahmen. Diese Zerschlagungstechniken bestehen hier in Gladstone fort, wo er in luftigen Kontrapunkten 108 eisige Fotografien von Blumen und Fornicatoren von Robert Mapplethorpe arrangiert hat. Er mischt frei Mapplethorpes Porträt, Stillleben, Akte und sadomasochistische Bilder; lässt viele bekannte Bilder aus (keine der Bodybuilderinnen Lisa Lyon); und betont seine frühen farbigen Polaroids, wie drei Aufnahmen von 1972 von Mapplethorpes Liebhaber Sam Wagstaff, der hart arbeitet.

Jafas nichthierarchiale Darstellung zeigt Mapplethorpes kampflustige Seite und die Absurdität der Wildnis, die tumeszierenden oder erweiterten Teile von Männern mit demselben ruhigen Blick zu betrachten, den Sie auf eine Tigerlilie werfen würden. Einige Nebeneinanderstellungen bieten ein bisschen dekadenten Spaß, als Jafa einen Lauf von Mapplethorpes stumpfem Schwarz-Weiß mit einem seltenen Farbporträt des kaum zu glaubenden Erzbischofs von Canterbury unterbricht. Er vermischt Mapplethorpes Akte schwarzer Models mit bewundernswerter Neutralität, obwohl es wirklich ein Schuljungenwitz ist, das aufrechte Geschlechtsorgan eines Models neben ein schwarzes Pferd zu stellen, das in die gleiche Richtung zeigt.

Aber können wir Mapplethorpe heute überhaupt so sehen, wie wir es getan haben, als die Küche 1977 seine gröbsten Bilder debütierte, oder als ein Obszönitätsprozess 1990 sie zu einem Brennpunkt der Kulturkriege machte? Seine strenge Komposition und sein kaltes Auge behalten eine kleine Kraft, aber das Verhältnis von Sex zur Fotografie hat sich sehr verändert. Lassen Sie mich versuchen, dies dekorativ auszudrücken: Eine bestimmte Anzahl von Besuchern dieser Show wird später Dutzende expliziterer Fotos im quadratischen Format betrachten – und sogar ein oder zwei senden – auf Smartphone-Apps, die Begegnungen ermöglichen, die denen von Mapplethorpe nicht unähnlich sind. Einmal war der Schock, wie er nackte Körper objektivierte; Jetzt sind wir es, die uns jeden Tag in unseren Bildern und Profilen für einen Moment menschlichen Kontakts objektivieren.

JASON FARAGO


Bis 25. April. Gordon Robichaux, 41 Union Square West, Manhattan, 646-678-5532, gordonrobichaux.com.

Das Licht, das von Sanou Oumars großen, exquisit gefertigten Zeichnungen ausgeht, verbindet Spiritualität mit harten Fakten. Schauen Sie genau hin: Ihre leuchtenden geometrischen Formen, komplizierten Texturen und strahlenden Fächer und Farbstäbe lassen auf Mandalas des 21. Jahrhunderts schließen, aber ihre Elemente können alle in einzelne Markierungen und Linien aus farbintensiven Tinten zerlegt werden. Die kulturellen Referenzen sind hoch, niedrig und global – harte Malerei, Textil- und Grafikdesign, MC Eschers imaginäre Räume, Mondrians schwarzes Gerüst, Erhebungen und Grundrisse, die Muster von Sicherheitsumschlägen und islamischen Fliesen, die manischen Architekturmaquetten von Bodys Isek Kingelez. Der vorherrschende Sinn für Geometrie (und Perfektion) wird durch Mehrzweck-Freihandkritzeleien oder Bereiche mit winzigen Stichen mit einem scharfen Bleistift erleichtert.

Oumar wurde 1986 in Burkina Faso geboren und studierte englische Literatur an der Universität von Ouagadougou. Er wanderte 2015 in die USA aus und seine Zeichnungen wurden zu einem verzehrenden meditativen Ritual. Jedes wird an einem einzigen Tag hergestellt und mit dem Datum “15.06.20”, “26.08.20” betitelt. Viele seiner Motive sind Spuren kleiner Fundstücke – von Rauchmelderhüllen bis zu kleinen Holzlöffeln, die in Eisdielen verwendet werden -, die zu ihrer mysteriösen Vertrautheit beitragen.

Die Zeichnungen in einem Buch, das 2018, dem Jahr von Oumars New Yorker Debüt in einer Zwei-Personen-Ausstellung (mit Matt Paweski) bei Gordon Robichaux, veröffentlicht wurde, sind symmetrischer und weniger farbenfroh als diese neuen Bemühungen. Die neuesten Arbeiten, die größtenteils im letzten Sommer hergestellt wurden, sind ein beeindruckender Sprung nach vorne. Das neueste, “9/13/20”, ist völlig freihändig. Es ist nicht so robust wie die anderen, aber es eröffnet aufregendes Neuland.

ROBERTA SMITH


Bis 22. Mai. David Zwirner, 525 West 19th Street, Manhattan, 212-727-2070, davidzwirner.com.

Die Ray Johnson Show, die jetzt bei David Zwirner zu sehen ist – eine der größten derartigen Umfragen der letzten Jahre – umfasst mehr als 50 der Markencollagen, die Johnson zwischen den 1950er Jahren und seinem Selbstmord 1995 erstellt hat. Sie sind hübsche kleine Dinge, Erbe der Collagen der 1920er Jahre von Hannah Höch und Max Ernst, aber mit mehr Laune und Nostalgie – sie nicken oft Stars aus Hollywoods Goldenem Zeitalter zu. (“What a Dump” im Titel dieser Show ist ein Lieblingszitat von Johnson aus einem Film von Bette Davis.) Fast alle Collagen sind in Johnsons winzigem Drehbuch sorgfältig signiert und datiert, als ob sie “Here be art” proklamieren würden.

Nach den Maßstäben der Kunst, die um sie herum gemacht wird – Pop-Aneignung, minimalistische Skulptur, objektfreier Konzeptualismus – können diese Collagen rückwärtsgerichtet wirken. Aber um ihre Ästhetik zu kritisieren oder sie sogar zu verehren, fehlt das, was an diesen Werken am wichtigsten ist, und der Punkt, den der Kurator Jarrett Earnest in dieser Ausstellung hervorhebt.

Johnson verschickte viele Collagen oder zumindest Fotokopien davon an Freunde und Bekannte auf der ganzen Welt, im klassischen Beispiel der sogenannten Postkunst. Das wahre Medium von Johnsons bester Arbeit ist vielleicht nicht das Papier und der Kleber seiner Collagen, sondern die menschlichen Verbindungen, die seine Mailings herstellen lassen: Er lud oft Leute ein, seine Bilder zu überarbeiten und zurückzugeben oder sie an andere weiterzugeben. In dieser Ausstellung geht es sowohl um diese Verbindungen als auch um Objekte, die sie ausgelöst haben.

Sobald Sie einen Johnson erhalten haben, können Sie sich selbst als Mitglied seiner New York Correspondance School (seine Rechtschreibung) bezeichnen, die zu einer Art virtuellem Clubhaus für Schöpfer wurde, die keinen einfachen Sitz in der Kunstwelt fanden – oft, weil, wie Johnson Sie waren schwul. Die drei Partner von General Idea, dem queeren Kunstkollektiv, waren eifrige Mitglieder des Johnson-Clubs, ebenso wie der schwule Dichter John Giorno. Diese Show beinhaltet Arbeiten von ihnen und anderen Korrespondenten. (Eine nicht verbundene Ausstellung in der Off Paradise-Galerie in der Walker Street zeigt mehr Künstler mit einer „Johnsonschen Einstellung“.)

Ich stelle mir Johnsons schöne Collagen gerne als geheime Objekte vor, die Kinder in ihren Clubhäusern herstellen, um ihre Mitgliedschaft zu bestätigen. Die Sorgfalt, mit der diese Objekte hergestellt werden, ist ein Zeichen dafür, wie wichtig diese Mitgliedschaft ist.

BLAKE GOPNIK


Bis 25. April. Totah, 183 Stanton Street, Manhattan; 212-582-6111, davidtotah.com.

Als wir in das zweite Jahr der Pandemie eintreten, ist Trauer eines der wichtigsten Gefühle in meinem Kopf. Wie verarbeiten wir die weiterhin akkumulierten Verluste? TR Ericssons Einzelausstellung „Pale Fires“ bietet ein bewegendes Beispiel.

In der Ausstellung von Ericsson geht es nicht um die Pandemie. Es geht um seine Mutter Sue, die 2003 durch Selbstmord gestorben ist. Die Künstlerin hat ein Archiv mit Gegenständen aus ihrem Leben zusammengetragen, die den Rohstoff für seine laufende Serie „Crackle & Drag“ bilden. Die Ausstellung in Totah besteht ausschließlich aus diesen Werken, die Galerie ist voller Abwesenheit und Verlust.

Ericsson reproduziert oft Familienfotos und Dokumente im Siebdruck, aber personalisiert den Prozess, indem ungewöhnliche, symbolische Materialien – wie die Grabasche oder der Alkohol seiner Mutter – mit konventionelleren Materialien wie Tinte gemischt werden. “Sue 63 (Nikotin)” (2020/21) ist ein Porträt von ihr als ausgeglichene junge Frau, dargestellt in gespenstischem, sepiafarbenem Nikotin. Viele der Bilder sind verschwommen oder verschwommen, als wären sie Erinnerungen, die nur unerreichbar sind.

“Letter (3. März 1994)” sprengt ein dreiseitiges Schreiben von Sue und gibt dabei einen Einblick in das Drama ihrer Existenz sowie in ihre Stimme – die den Soundtrack des Films “Crackle & Drag” bildet , ”Über aufgezeichnete Gespräche und Voicemail-Nachrichten, die für ihren Sohn hinterlassen wurden. Es ist bedauerlich, dass der Film, der nur einmal pro Woche oder nach Vereinbarung gezeigt wird, nicht besser in die Ausstellung integriert wird, da er mit einer emotionalen Komplexität in Resonanz steht, die den coolen Konzeptualismus des Projekts durchbricht. Sue sowohl intim als auch aus der Ferne darzustellen, ist eine erschütternde Elegie.

JILLIAN STEINHAUER



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